un samedi..un peintre

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Pour la 50ème Edition du ..

Edvard Munch

Autoportrait-1882-

BIOGRAPHIE EDVARD MUNCH - Peintre expressionniste norvégien, Edvard Munch était également graveur. Il a peint de célèbres tableaux tels que "Le Cri", "Séparation", "La Danse de la vie" ou "La Madone".

 

Biographie courte d'Edvard Munch - Le peintre et graveur Edvard Munch est né le 12 décembre 1863 à Adalsbruk en Norvège. Il poursuit des études techniques avant d'intégrer l'école royale de dessin, où il étudie les anciens maîtres. Aux côtés du naturaliste Christian Krohg, Edvard Munch développe son talent pour le réalisme français. Grâce à des bourses d'études, l'artiste visionnaire peut voyager. Il s'installe à Paris, où il désire peindre les affres de son existence, puis à Berlin. Edvard Munch côtoie de nombreux artistes et se fait réellement connaître grâce à une exposition en 1892. Le peintre développe ses sujets et multiplie les techniques. Il entretient par ailleurs une relation amoureuse difficile avec Tulla Larsen.

 

Les oeuvres d'Edvard Munch

Figure de proue de la peinture moderne, Edvard Munch est un peintre norvégien du XIXe siècle. Il excelle dans l'expressionnisme, ce courant, qui s'opposant à l'impressionnisme français, valorise la subjectivité du peintre plutôt que le réalisme, afin de provoquer une émotion chez le spectateur. Ses œuvres les plus connues, "Le Cri", "La Madone" (Madonna) et "Séparation", marquent l'apogée de son talent, dans les années 1890. Ses peintures reconnues font de lui un artiste célèbre en Europe et dans le monde entier. Les thématiques de la mort, de la tristesse et de la maladie qui ont ponctué sa vie et celle de sa famille imprègnent ses tableaux. Dépressif, Edvard Munch sombre dans l'alcoolisme et séjourne six mois en clinique à Copenhague. En Allemagne, les nazis qualifient son art de "dégénéré", au même titre que Marc Chagall, et brûlent près de 80 de ses œuvres en 1937. L'artiste continue à peindre jusqu'à la fin de sa vie, qu'il termine de façon solitaire. Edvard Munch décède le 23 janvier 1944 à Oslo (Norvège). Disparu à 80 ans, le peintre laisse derrière lui plus d'un millier de tableaux, dessins et sculptures. Son visage apparaît sur les billets de 1000 krones, dans la monnaie norvégienne.

 

 

 

 

 

"Le cri"-1893-

"Golgotha"-1900-

"Clair de lune"-1895-

"Puberté"-1895-

"La vigne vierge rouge"-1898-1900-

"Cendre"-1894-

"L'enfant malade"-1907-

"La danse de la vie"-1900-

"Mélancolie"-1891-

 "Madonna"-1894-1895-

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Pour la 49ème Edition du ..

« L’essence même de la créativité signifie qu’elle ne peut être définie et compartimentée ; Présentant à l’artiste, une immunité de la direction conventionnelle, l’adoption d’une direction différente, lui accordant la liberté et la possibilité de chercher des voies alternatives."

"Un artiste doit être un inventeur ainsi qu’un interprète, créant des idées originales, puis interprétant ces idées sur une toile ou un support alternatif sélectionné.

Je suis diverse dans mon attitude envers l’art, donc pour moi rester dans un style est pratiquement impossible, chaque style a besoin d’une approche différente et d’une discipline différente.

Je me mets constamment au défi, c’est au cœur de mon être même, de briser les murs qui nous entourent, de découvrir, de chercher au-delà, de percer dans une direction inconnue.

Notre existence même est une existence qui nécessite une analyse constante qui coïncide avec mon défi constant d’allumer une identité inconnue à l’intérieur, à la recherche d’une voie incontestée. C’est par la confrontation personnelle avec soi-même que l’on découvre et dépasse de nouvelles frontières et que l’on change les concepts traditionnels de l’art.

L’évolution des beaux-arts nous concerne tous et c’est l’artiste qui s’efforce constamment d’apporter une prise de conscience et une reconnaissance à l’extraordinaire monde de l’art. C’est une entreprise émotionnelle et spirituelle et parfois écrasante."

Paul Ygartua, né en 1945 à Liverpool d'un père espagnol basque et d'une mère anglaise, a fait ses études d'art au sein du "Liverpool Art College" avant de partir s'installer à 19 ans à Vancouver, où il a commencé à peindre. C'est grâce à ses portraits de chefs indiens qu'il a rencontré ses premiers succès. Il a réalisé d'ailleurs plusieurs gigantesques murailles sur ce sujet, dont la plus connue pour le pavillon des Nations Unies à l'occasion de l'exposition universelle de Vancouver : Son style a évolué au fil des années et il a expérimenté beaucoup de techniques différentes. Son travail tend vers l'abstrait qu'il aime réaliser particulièrement sur les grands formats. Ses toiles sont libérées et colorées, elles dégagent une harmonie instinctive. Paul est un peintre instinctif : sa joie de vivre communicative, son énergie et son esprit passionné imprègnent son oeuvre.
Paul Ygartua a reçu de nombreuses distinctions. Il expose dans des salons d'art contemporain et des galeries, à travers le monde. Il travaille régulièrement sur commande pour des toiles ou des fresques.

"Frenzy"

"Echec & Mat"

"Fascination"

"Homme & Femme"

"Musicos-Cuadro"

"De Près"

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Une Tite visite chez Lilou ?

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Pour la 48ème Edition du ...

Gustav Klimt

Artiste phare du symbolisme viennois, Gustav Klimt (1862–1918) est mondialement connu pour ses compositions précieuses où l’or domine. Dans le sillage de l’Art nouveau, son œuvre est puissamment décorative. Il a été l’un des fondateurs du mouvement sécessionniste, créé dans le but de faire rayonner l’art autrichien sur la scène internationale. Personnalité profondément originale, Klimt a suscité en son temps des réactions contrastées en raison de l’érotisme de ses compositions où vie et mort s’entremêlent.

- Maître de l'Art Nouveau, Gustav Klimt est célèbre pour ses tableaux de paysages ainsi que ses nombreux portraits de femmes. Ses oeuvres les plus connues sont "Le Baiser" et "L'Arbre de vie".

 

Il a dit : « Tout l’art est érotique. »

Sa vie :

Né près de Vienne, Gustav Klimt est le fils d’un orfèvre. Il suit des études artistiques à l’École des arts et métiers de Vienne puis fait ses débuts dans la décoration, en participant notamment au  décor de la cour du Kunsthistorisches Museum de Vienne. En 1883, il crée un atelier avec son frère, orfèvre ciseleur de son état. À cette époque, Klimt contribue à de nombreux chantiers de décoration de villas bourgeoises. À la fin de cette décennie, il conquiert son autonomie et il gagne une reconnaissance officielle. Sa réputation de peintre décorateur est pleinement assurée.

Portrait d'Adèle "féminité dorée"

"Bébé" (berceau)

"Sisters"

"Maison forestière"

"Adèle"

"Dame à la fourrure"

"Femme à l'éventail"

"Fredericke Maria Beer"

"Les amies"

"Adam & Eve"

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Pour la 48ème Edition du ...

Quand l'Art a du Cul ... 

Cultes ! Des fesses-à-face obsédants..

..Les fesses des femmes ..

Tu savais p'têtre pas que les fesses des femmes ont déjà été dessinées

sous toutes les coutures ?

Découvres une histoire de fesses dans l'histoire de l'Art ..😲

J'entend déjà les mauvaises langues râler : « Bon, des fesses, c’est des fesses, pas besoin d’en faire des tonnes… ». Je ne peut que leur donner raison. Pourtant, dans l’art, il y en a bien des tonnes… de fesses. Idéalisées ou réalistes, blanches ou rosées, fermes ou molles, les fesses des femmes semblent fasciner les artistes masculins depuis toujours.

Super on venait de refaire le lit !

"La femme se couchant"-Jacob van Loo-

"Coucher à l'italienne (les fesses blanches)-Jacob van Loo-

Jacob van Loo dit aussi en français Jacques Van Loo (L'Écluse, 1614 – Paris, le 26 ou le 27 novembre 1670 peintre de scènes mythologiques, bibliques et de genre, et un portraitiste néerlandais (Provinces-unies) du siècle d'or. Il fut le fondateur de la dynastie de peintres van Loo.

Fini d’utiliser les déesses comme prétexte pour mater des fesses. Jacques van Loo représente une femme ancrée dans le réel. Sans aucune gêne de nous montrer son joli fessier aux teintes de porcelaine, elle sourit à l’observateur comme pour l’inviter à la rejoindre. Un moment chargé d’érotisme qui en ferait presque oublier l’affreux bonnet de nuit. Presque…

Raphaël, né en 1483 à Urbino (Nord-Est de l'Italie), mort en 1520 au Palais Caprini à Rome : Son épitaphe, elle aussi, relève de la poésie et du génie : "Ci-gît Raphaël, qui durant sa vie fit craindre à la nature d'être maîtrisée par lui, lorsqu'il mourut, de mourir avec lui."

Les Trois Grâces du peintre Raphaël représentent des déesses. C’est donc tout naturellement qu’elles ne dégagent aucune expression si ce n’est une forme de beauté immatérielle. La fesse semble ferme et lisse mais parait assez surréaliste. Un peu comme lorsqu’une instagrameuse force sur les filtres…

"L'Odalisque brune" -François Boucher-

François Boucher, né le 29 septembre 1703 à Paris où il est mort le 30 mai 1770, est un peintre dessinateur, graveur et décorateur français, représentatif style rocaille

Dans L’Odalisque brune, François Boucher ne laisse aucun doute quant au sujet de son tableau. Si l’on trace les diagonales partant des coins de l’œuvre, le centre de la toile s’avère être les fesses de son modèle. Élevées en stars, ces fesses ressortent en contraste avec le velours bleu de ce lit défait, évoquant des ébats amoureux. Le visage du modèle ne laisse paraître aucune émotion, la jeune femme semble simplement se prélasser les fesses à l’air. 

"Leda and the Swan" -François Boucher-

-Félix Valloton-

Félix Vallotton, né à Lauzanne le 28 décembre 1865 et mort à Neuilly-sur-seine le 29 décembre 1925 est un artiste peintre, graveur, illustrateur, sculpteur, critique d'art et romancier Franco-Suisse.

Bon, avec un plan aussi serré, on ne peut pas dire que le sujet de la toile n'est pas fesse... Obsédé par la représentation du corps et notamment du corps féminin, Félix Vallotton l'étudie sous tous les angles.

 "The rape of Europa" (le viol de l'Europe)-Félix Vallotton-

Pierre-Paul Rubens ou Petrus-Paulus Rubens en Néerlandais est un peintre branbaçon de l'école baroque flamande, né le 28 juin 1577 à Siegen (Principauté de Nassau-Dillenbourg) mort le 30 mai 1640 à Anvers.

Dans sa version Des Trois Grâces, Rubens cherche à créer le désir du toucher à travers sa toile. Un voile délicat relie les jeunes femmes, passant même entre les fesses du modèle central et guidant notre regard. Les trois nymphes sont beaucoup plus réalistes et pour cause, le modèle au centre est la femme de l’artiste.

"Vénus Frigida" (Vénus Glaciale) -Rubens-

QQ !! - Gossip'Girl (over-blog.com)

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Pour la 47ème Edition du ...

Autoportrait

Oleg Shupliak (parfois orthographié-Shuplyak),  est né le 23 septembre 1967 à Ternopil, c’est un artiste ukrainien vivant à Berezhany. Il crée des œuvres artistiques, y compris des illusions d’optique, et est surtout connu pour ses têtes de portrait imaginatives nommées « Hidden Images ».

Oleg s’exprime dans la peinture, la photographie, le graphisme, l’illustration et l’animation. En 1991, il est diplômé du département d’architecture de l’Université nationale polytechnique de Lviv.

Depuis 2000, il est membre de l’Union nationale des artistes d’Ukraine et a conçu le logo officiel du 200e anniversaire de la naissance de Taras Shevchenko.

Ce peintre roi des illusions d’optique cache des visages dans les paysages ! Époustouflant !

Avec un style métamorphique, Oleg Shuplyak joue avec la perspective et les éléments pour peindre une seconde image qui peut parfois être si subtile, qu’il est difficile de discerner sans loucher. Oleg Shuplyak, suscite le phénomène de pareidolie du spectateur dans ses portraits de personnalités dont les éléments du paysage composent les traits du visage tout en racontant une autre histoire.

Une paréidolie (aussi écrit pareidolie, du grec ancien para-, « à côté de », et eidôlon, diminutif d’eidos, « apparence, forme ») est une illusion d’optique qui associe un stimulus visuel ambigu à un élément clair et identifiable, souvent une forme humaine ou animale. Ce genre d’illusion d’optique est proche de la perception des anamorphoses. Les techniques de travail pour les créer sont rigoureuses.

L’art d’Oleg Shuplyak est fascinant et ses œuvres sont parmi les meilleures et les plus impressionnantes illusions optiques jamais rencontrées. John Lennon, Pablo Picasso, Sigmund Freud, Charles Darwin, Paul Gauguin, Zeus et l’Oncle Sam sont quelques uns des visages célèbres parmi ceux traités par Shuplyak. L’artiste a reçu plusieurs récompenses entre 1991 et 2013. Une partie de son travail est exposé au Musée national Taras Chevtchenko à Kiev.

Sur scène (Shakespeare)

United bother  (Cézanne)

Dans le jardin des idées (Newton)

La mystérieuse (Marilyn)

" Gaugin"

" Venise "

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" Sigmund Freud "

Autoportrait

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Pour la 46ème Edition du ...

Une brève histoire de l'Art Urbain, du Graffiti au Street Art ...

Si la paternité du Street Art est partagée entre Philadelphie, New York et Paris, c'est qu’il y a eu d’un côté des villes qui ont été ébranlées par une crise économique suite à une forte désindustrialisation, et de l'autre, des villes qui ont été le théâtre de révoltes sociales. Prendre d'assaut les murs a bien souvent été un acte politique avant d’être un acte purement créatif.

Aux origines, il y a le Graffiti :

“Cornbread, World's First Writer” revendique ce dernier qui, en 1965, tague son nom sur les murs de Philadelphie car c'est la seule solution pour attirer l'attention de Cynthia, trop timide pour lui déclarer son amour en direct. Une fois la belle conquise, il poursuit son aventure urbaine et place au-dessus de son tag une couronne, n'est-il pas tout simplement le “King of the Walls” comme il l'écrit alors? Un titre que beaucoup se disputent... L'enjeu est d'exister, d'apposer sa signature, son tag, sur les murs de la ville. Taki 183 la reproduira tellement que le New York Times lui consacrera un article entier en 1971, ce qui aura une répercussion énorme à l’époque. Les tags se multiplient sur les murs, mais aussi sur les bus, les camions et surtout les métros qui apparaissent comme le meilleur moyen d'être vu dans toute la ville et pas uniquement dans un seul quartier. Les graffitis de Seen, Dondi White ou Blade recouvrent les trains, font leur renommée et provoquent la colère des maires successifs de New York qui vont durcir la réglementation et les peines encourues pour ce qui est alors un acte de vandalisme. Pour autant, cela ne découragea pas Quik, Futura 2000, Phase 2, Stay High 149 ou encore John Fekner, qui continuera à écrire ses phrases au pochoir dans le Bronx.

Les pionniers du Graffiti Darryl McCray alias Cornbread et Demetrius alias Taki 183 réunis sur la même photo, un grand moment d’histoire capturé par le photographe Pete Duvall (theartblog.org).

L'influence de Keith Haring et J.M Basquiat :

Pendant que les “Writers” matraquent leurs pseudos à New York, certaines galeries saisissent immédiatement la dimension artistique de ces interventions. En 1972, la Razor Gallery expose Phase 2, Snake, Stich 1. De leur côté, Keith Haring et Jean-Michel Basquiat s'emparent également des murs de la ville, mais optent pour une tout autre stratégie: ils visent les galeries d'East Village qui représentent les artistes contemporains les plus reconnus. Haring dessine à la craie dans le métro ses personnages-signature et Basquiat peint son acronyme SAMO© sur les murs juste à côté des galeries importantes. Et ça marche. En 1983, Sidney Janis – qui est alors le galeriste de l'Expressionnisme abstrait et du Pop Art – organise l’exposition “Post Graffiti”, avec A-one, Jean Michel-Basquiat, Crane, Crash, Daze, Futura 2000, Keith Haring, Lady Pink, Don Leicht, Noc 167, Rammellzee, Kenny Scharf, Toxic... Les grands noms de l'histoire du Graffiti américain. La machine est lancée, Warhol devient alors l'ange gardien de Basquiat et Haring, leur cote explose et ils vont acquérir une reconnaissance internationale dans le monde de l'art contemporain. Permettant ainsi à un art issu de la rue de trouver sa place auprès des plus grands collectionneurs.

Jean-Michel Basquiat pris sur le vif en train de peindre à la bombe dans les rues de New York pour le film Downtown 81 tourné entre 1980-81 mais seulement diffusé en 2001 (image tirée du film).

Un versant plus politique en France :

Au même moment en France, deux artistes se partagent la paternité du street art: Gérard Zlotykamien et Ernest Pignon-Ernest. Le premier commence dès 1963 à dessiner à la bombe ses silhouettes baptisées “les éphémères” sur le chantier du “trou des Halles” à Paris, en référence aux individus soufflés par la bombe atomique à Hiroshima, laissant pour seule trace une ombre au mur! Il dénonce tout en restant en dehors du système et du marché de l'art. Il préfère travailler sans contrainte, mais refuse de se définir comme un artiste anarchiste. “Je m'auto-engage, explique-t-il, je ne crée ni un dogme ni un système”. En 1966, Ernest Pignon-Ernest reprend la même idée de la silhouette brûlée par l'explosion nucléaire en la démultipliant au pochoir sur les routes et sur les rochers du plateau d'Albion dans le Vaucluse, réagissant ainsi au projet d'y enfouir des têtes nucléaires.

Ernest Pignon-Ernest à côté de son portrait historique de Pasolini durant l’exposition “Ecce Homo” à Avignon (2019-2020) qui célébra plus de 50 ans d’expression artistique (©MAXPPP).

D'un mouvement pur et underground de “Writers”, qui soignent les lettres de leurs tags, inventent des styles, entretiennent les rivalités entre crews pour être le plus visible, marquent leur territoire et font parler d'eux, ainsi que des actes engagés d’artistes désireux de contester des faits et transmettre un message politique, la tendance va peu à peu s'ouvrir. Plus qu'un mouvement artistique, les débuts sont donc portés par le jeu, l'interdit, l’adrénaline mais aussi la contestation, le désir de porter un message qui va notamment devenir la marque de fabrique de certains.

Les oeuvres de Street-Art les plus insolites et créatives :

. Balade à travers un nouvel Art créatif :

Au-delà du classique “niktamère” graffé maladroitement sur les murs, le street-art d’aujourd’hui se veut plus créatif. Les artistes de ce mouvement né dans la rue se surpassent pour livrer aux passants des oeuvres insolites et surprenantes. À Paris et dans le reste du monde, l’espace public est habillé par des créations originales. De quoi prendre un malin plaisir à vous balader !

Pour la 45ème Edition du ...

Esra Caroline Røise est une illustratrice et créatrice de mode norvégienne. Elle a étudié à l’École des arts Einar Granum et à l’Académie nationale des arts d’Oslo (KHiO), où elle a obtenu son baccalauréat en communication visuelle au printemps 2010. Esra Røise a travaillé sur des missions pour Vogue, Nike et Levi's.

Valeur nette et salaire d’Esra Roise: Esra Roise est une illustratrice qui a une valeur nette de 10 millions de dollars. Esra Roise est née le 21 juillet 1980. Illustratrice et artiste connue pour ses portraits au crayon, son travail de tatouage et ses dessins surréalistes de paysages et de visages qu’elle partage pour ses plus de 60 000 abonnés Instagram. Elle est connue pour avoir fréquemment créé des illustrations pour Céline.
Esra Roise est membre d’Illustrator

La féminité se décline avec virtuosité sous les coups de crayon affûtés d’Esra Roise, la jeune étoile montante de l’illustration norvégienne. Les dessins d’Esra ont l’éclat de cette osmose parfaite qui allie facture et discours. Elle nous livre une interprétation sensuelle et vaporeuse de la ligne, elle froisse le principe d’achèvement en noyant le trait dans un allègre sfumato de vibrations colorées, donne vie aux châles soyeux, aux fourrures, et cuirs de ses héroïnes sexy.

 « Je suis attirée par le bizarre, les visages qui ont des traits un peu étranges, en tout cas pas du tout policés, confie la Norvégienne. Une posture dégingandée, un nez proéminent, des dents écartées…, j’adore ça ! » 

" J'te tiens au jus !! "

Pour la 44ème Edition du ...

      Rogier van der Weyden (Tournai, 1399/1400 — Bruxelles, 18 juin 1464), est un peintre appartenant au mouvement des primitifs flamands.

Né Rogier de Le Pasture, il fit traduire littéralement son nom dans sa version flamande « Van der Weyden » lors de son installation à Bruxelles en 1435. La dénomination de Rogier van der Weyden retenue actuellement provient d'un acte notarié signé par le peintre. Il a pourtant continué de signer Rogier de le Pasture dans un autre acte notarié lors de l'héritage d'une tante à Tournai. Il est dénommé en outre « Rogier van Brugghe » par Karel ou Carel Van Mander dans son ouvrage Schilder-boeck, premier dictionnaire biographique de référence sur les peintres néerlandais, flamands et allemands, ou encore « Rogier de Bruxelles ».

Originaire de Tournai, il y est formé au sein de l'atelier du peintre Robert Campin. Il s'installe à Bruxelles en 1435 et devient peintre officiel de la ville. Il répond par ailleurs à de nombreuses commandes des ducs de Bourgogne et de leur entourage. Il effectue un voyage en Italie vers 1450 où il acquiert une certaine renommée. Il termine sa vie à la tête d'un atelier prospère auteur de nombreuses œuvres. Les historiens de l'art lui attribuent une quarantaine d'œuvres encore conservées. Il a, par ailleurs, probablement eu une activité d'enlumineur

Portrait d'une femme

Saint Luc dessinant la Vierge

Man holding book

Lamentation sur le Christ

Portrait of Charles the Bold (le téméraire)

Portrait d'une femme

Saint Ivo

Visitation de Marie

Sainte Catherine

Marie-Madeleine lisant

Pour la 43ème Edition du ...

Je te présente un artiste que j'ai découvert pour la rédaction de..

.. Bon, je sais je suis chiante, le thème devait être "La Renaissance", se sera pour la prochaine ! 😉

Jettes un oeil à droite de mon blog, il y a deux phrases qui me correspondent bien ! 😊

 Né en 1944 en France, Jacques Lucas commence à peindre dès 1963, alors qu'il poursuit des études supérieures d'Histoire de l'Art qui l'amèneront à passer 10 ans au Ministère des Affaires Culturelles. Parallèlement il acquiert une ancienne demeure dans la région de Rennes qui deviendra au fil du temps "La Maison Sculptée" .
          Autodidacte dans la pratique de son art, sa peinture et sa sculpture s'affirmeront au contact d' Edouard Pignon qu'il fréquente dans son atelier de la rue des Arts et de Robert Tatin qu'il rencontre régulièrement pendant plusieurs années dans sa maison de la Frénouze et qui inspirera ses premières sculptures et peintures.
      Il expose dès 1963 dans la région de Poitiers puis à Paris et en Belgique.
      A partir des années 70 jusqu'au début des années 80, il développe une technique de hachures des sujets et de l'espace, rappelant les trames du tissage qu'il pratique à cette époque.
      Vers 1980, il apprend seul le dessin académique. Il en résulte une centaine de portraits et paysages.
      Au début des années 90, son style s'affirme dans une sorte de figuration assujettie aux techniques et matériaux employés ( pastels et pigments écrasés , fixés en plusieurs couches ).
      En 1993, il quitte "La Maison Sculptée" tout en y revenant 2 à 3 mois par an pour installer un atelier à Nice.
      A partir de 1995, les grandes séries de peintures prennent forme ( "peinture de texte texture de son", "les grandes séries noires", les vertébrales bleus", etc )
       Depuis l'installation de son atelier de Nice, création d'environ 3000 peintures dont une série de grands formats : 300 x 200 cm sur toile, ainsi qu'une série d'une trentaine de livres peints.
       Depuis fin 2008, Jacques Lucas travaille à nouveau dans son atelier de "La Maison Sculptée" en Bretagne.

     Thèmes principaux : les corps humains et animaux, leurs transformations, leurs combinaisons, transcriptions fugaces du réel, des phénomènes de la mémoire et de la conscience individuelle. Idée de nouvelle mécanique humaine plus adaptée aux changements de l'environnement planétaire.
       Jusqu'en 2006, Muriel Anssens a réalisé un inventaire raisonné au Musée d'Art Moderne et Contemporain de Nice.

Aborder par la peinture l’inconnaissable, que le concept ne saurait atteindre : tel semble bien être le projet que poursuit Jacques Lucas, avec une sorte d’ardeur farouche, portée par une irrésistible virtuosité. Du centre aux bords, du fond à la surface, le sujet de ses peintures émerge et s’impose comme la conséquence d’un ensemble vivant. Soumis à un processus de perpétuelle reconstruction, le corps lui-même devient l’espace de ces oeuvres saturées. Les clartés émotionnelles portées par les couleurs, volontiers dissonantes, viennent y nuancer les formes tourmentées, d’un modelé presque excessif, mises en place par le fusain et les oppositions noir/blanc. Dans cet éclairage baroque, le peintre formule une interrogation anxieuse sur la survie de l’homme et les formes qu’elle pourrait prendre, au risque pour la conscience individuelle de s’y diluer et de s’y perdre. Démiurge d’un chaos originel où se mêlent les règnes, il donne à voir les anamorphoses, et les métamorphoses inquiétantes, d’un être au devenir incertain.

Texte par Jacques Simonelli

Portrait lunaire (2001)

La main de Jean-Louis (2005)

P'tit bonhomme (1998)

Espaceserrures 1 (1999)

Espaceserrures 2 bleu (1999)

😂

Pour la 42ème Edition du ...

L’artiste japonais Yoshitomo Nara s’inscrit dans le mouvement Pop art nippon. Les enfants et les animaux sont les principaux protagonistes de ses œuvres : ainsi, ses tableaux, en apparences légers et naïfs, cachent une certaine solitude et une colère sous-jacente. La « Cosmic girl »,  jeune et rebelle, est le personnage emblématique de ses compositions marquées par une économie de moyens. Ses œuvres les plus cotées se vendent actuellement plus de 3 millions de dollars.

Cosmic girl

Chat de nuit

Cat

Musique pour la petite fleur

Main magique

??

Nara Kitty

Lapin, nulle part, quelque part

Dans le monde flottant

Chien