peinture

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Pour la 49ème Edition du ..

« L’essence même de la créativité signifie qu’elle ne peut être définie et compartimentée ; Présentant à l’artiste, une immunité de la direction conventionnelle, l’adoption d’une direction différente, lui accordant la liberté et la possibilité de chercher des voies alternatives."

"Un artiste doit être un inventeur ainsi qu’un interprète, créant des idées originales, puis interprétant ces idées sur une toile ou un support alternatif sélectionné.

Je suis diverse dans mon attitude envers l’art, donc pour moi rester dans un style est pratiquement impossible, chaque style a besoin d’une approche différente et d’une discipline différente.

Je me mets constamment au défi, c’est au cœur de mon être même, de briser les murs qui nous entourent, de découvrir, de chercher au-delà, de percer dans une direction inconnue.

Notre existence même est une existence qui nécessite une analyse constante qui coïncide avec mon défi constant d’allumer une identité inconnue à l’intérieur, à la recherche d’une voie incontestée. C’est par la confrontation personnelle avec soi-même que l’on découvre et dépasse de nouvelles frontières et que l’on change les concepts traditionnels de l’art.

L’évolution des beaux-arts nous concerne tous et c’est l’artiste qui s’efforce constamment d’apporter une prise de conscience et une reconnaissance à l’extraordinaire monde de l’art. C’est une entreprise émotionnelle et spirituelle et parfois écrasante."

Paul Ygartua, né en 1945 à Liverpool d'un père espagnol basque et d'une mère anglaise, a fait ses études d'art au sein du "Liverpool Art College" avant de partir s'installer à 19 ans à Vancouver, où il a commencé à peindre. C'est grâce à ses portraits de chefs indiens qu'il a rencontré ses premiers succès. Il a réalisé d'ailleurs plusieurs gigantesques murailles sur ce sujet, dont la plus connue pour le pavillon des Nations Unies à l'occasion de l'exposition universelle de Vancouver : Son style a évolué au fil des années et il a expérimenté beaucoup de techniques différentes. Son travail tend vers l'abstrait qu'il aime réaliser particulièrement sur les grands formats. Ses toiles sont libérées et colorées, elles dégagent une harmonie instinctive. Paul est un peintre instinctif : sa joie de vivre communicative, son énergie et son esprit passionné imprègnent son oeuvre.
Paul Ygartua a reçu de nombreuses distinctions. Il expose dans des salons d'art contemporain et des galeries, à travers le monde. Il travaille régulièrement sur commande pour des toiles ou des fresques.

"Frenzy"

"Echec & Mat"

"Fascination"

"Homme & Femme"

"Musicos-Cuadro"

"De Près"

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Une Tite visite chez Lilou ?

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Pour la 48ème Edition du ...

Quand l'Art a du Cul ... 

Cultes ! Des fesses-à-face obsédants..

..Les fesses des femmes ..

Tu savais p'têtre pas que les fesses des femmes ont déjà été dessinées

sous toutes les coutures ?

Découvres une histoire de fesses dans l'histoire de l'Art ..😲

J'entend déjà les mauvaises langues râler : « Bon, des fesses, c’est des fesses, pas besoin d’en faire des tonnes… ». Je ne peut que leur donner raison. Pourtant, dans l’art, il y en a bien des tonnes… de fesses. Idéalisées ou réalistes, blanches ou rosées, fermes ou molles, les fesses des femmes semblent fasciner les artistes masculins depuis toujours.

Super on venait de refaire le lit !

"La femme se couchant"-Jacob van Loo-

"Coucher à l'italienne (les fesses blanches)-Jacob van Loo-

Jacob van Loo dit aussi en français Jacques Van Loo (L'Écluse, 1614 – Paris, le 26 ou le 27 novembre 1670 peintre de scènes mythologiques, bibliques et de genre, et un portraitiste néerlandais (Provinces-unies) du siècle d'or. Il fut le fondateur de la dynastie de peintres van Loo.

Fini d’utiliser les déesses comme prétexte pour mater des fesses. Jacques van Loo représente une femme ancrée dans le réel. Sans aucune gêne de nous montrer son joli fessier aux teintes de porcelaine, elle sourit à l’observateur comme pour l’inviter à la rejoindre. Un moment chargé d’érotisme qui en ferait presque oublier l’affreux bonnet de nuit. Presque…

Raphaël, né en 1483 à Urbino (Nord-Est de l'Italie), mort en 1520 au Palais Caprini à Rome : Son épitaphe, elle aussi, relève de la poésie et du génie : "Ci-gît Raphaël, qui durant sa vie fit craindre à la nature d'être maîtrisée par lui, lorsqu'il mourut, de mourir avec lui."

Les Trois Grâces du peintre Raphaël représentent des déesses. C’est donc tout naturellement qu’elles ne dégagent aucune expression si ce n’est une forme de beauté immatérielle. La fesse semble ferme et lisse mais parait assez surréaliste. Un peu comme lorsqu’une instagrameuse force sur les filtres…

"L'Odalisque brune" -François Boucher-

François Boucher, né le 29 septembre 1703 à Paris où il est mort le 30 mai 1770, est un peintre dessinateur, graveur et décorateur français, représentatif style rocaille

Dans L’Odalisque brune, François Boucher ne laisse aucun doute quant au sujet de son tableau. Si l’on trace les diagonales partant des coins de l’œuvre, le centre de la toile s’avère être les fesses de son modèle. Élevées en stars, ces fesses ressortent en contraste avec le velours bleu de ce lit défait, évoquant des ébats amoureux. Le visage du modèle ne laisse paraître aucune émotion, la jeune femme semble simplement se prélasser les fesses à l’air. 

"Leda and the Swan" -François Boucher-

-Félix Valloton-

Félix Vallotton, né à Lauzanne le 28 décembre 1865 et mort à Neuilly-sur-seine le 29 décembre 1925 est un artiste peintre, graveur, illustrateur, sculpteur, critique d'art et romancier Franco-Suisse.

Bon, avec un plan aussi serré, on ne peut pas dire que le sujet de la toile n'est pas fesse... Obsédé par la représentation du corps et notamment du corps féminin, Félix Vallotton l'étudie sous tous les angles.

 "The rape of Europa" (le viol de l'Europe)-Félix Vallotton-

Pierre-Paul Rubens ou Petrus-Paulus Rubens en Néerlandais est un peintre branbaçon de l'école baroque flamande, né le 28 juin 1577 à Siegen (Principauté de Nassau-Dillenbourg) mort le 30 mai 1640 à Anvers.

Dans sa version Des Trois Grâces, Rubens cherche à créer le désir du toucher à travers sa toile. Un voile délicat relie les jeunes femmes, passant même entre les fesses du modèle central et guidant notre regard. Les trois nymphes sont beaucoup plus réalistes et pour cause, le modèle au centre est la femme de l’artiste.

"Vénus Frigida" (Vénus Glaciale) -Rubens-

QQ !! - Gossip'Girl (over-blog.com)

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Pour la 47ème Edition du ...

Autoportrait

Oleg Shupliak (parfois orthographié-Shuplyak),  est né le 23 septembre 1967 à Ternopil, c’est un artiste ukrainien vivant à Berezhany. Il crée des œuvres artistiques, y compris des illusions d’optique, et est surtout connu pour ses têtes de portrait imaginatives nommées « Hidden Images ».

Oleg s’exprime dans la peinture, la photographie, le graphisme, l’illustration et l’animation. En 1991, il est diplômé du département d’architecture de l’Université nationale polytechnique de Lviv.

Depuis 2000, il est membre de l’Union nationale des artistes d’Ukraine et a conçu le logo officiel du 200e anniversaire de la naissance de Taras Shevchenko.

Ce peintre roi des illusions d’optique cache des visages dans les paysages ! Époustouflant !

Avec un style métamorphique, Oleg Shuplyak joue avec la perspective et les éléments pour peindre une seconde image qui peut parfois être si subtile, qu’il est difficile de discerner sans loucher. Oleg Shuplyak, suscite le phénomène de pareidolie du spectateur dans ses portraits de personnalités dont les éléments du paysage composent les traits du visage tout en racontant une autre histoire.

Une paréidolie (aussi écrit pareidolie, du grec ancien para-, « à côté de », et eidôlon, diminutif d’eidos, « apparence, forme ») est une illusion d’optique qui associe un stimulus visuel ambigu à un élément clair et identifiable, souvent une forme humaine ou animale. Ce genre d’illusion d’optique est proche de la perception des anamorphoses. Les techniques de travail pour les créer sont rigoureuses.

L’art d’Oleg Shuplyak est fascinant et ses œuvres sont parmi les meilleures et les plus impressionnantes illusions optiques jamais rencontrées. John Lennon, Pablo Picasso, Sigmund Freud, Charles Darwin, Paul Gauguin, Zeus et l’Oncle Sam sont quelques uns des visages célèbres parmi ceux traités par Shuplyak. L’artiste a reçu plusieurs récompenses entre 1991 et 2013. Une partie de son travail est exposé au Musée national Taras Chevtchenko à Kiev.

Sur scène (Shakespeare)

United bother  (Cézanne)

Dans le jardin des idées (Newton)

La mystérieuse (Marilyn)

" Gaugin"

" Venise "

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" Sigmund Freud "

Autoportrait

Pour la 44ème Edition du ...

      Rogier van der Weyden (Tournai, 1399/1400 — Bruxelles, 18 juin 1464), est un peintre appartenant au mouvement des primitifs flamands.

Né Rogier de Le Pasture, il fit traduire littéralement son nom dans sa version flamande « Van der Weyden » lors de son installation à Bruxelles en 1435. La dénomination de Rogier van der Weyden retenue actuellement provient d'un acte notarié signé par le peintre. Il a pourtant continué de signer Rogier de le Pasture dans un autre acte notarié lors de l'héritage d'une tante à Tournai. Il est dénommé en outre « Rogier van Brugghe » par Karel ou Carel Van Mander dans son ouvrage Schilder-boeck, premier dictionnaire biographique de référence sur les peintres néerlandais, flamands et allemands, ou encore « Rogier de Bruxelles ».

Originaire de Tournai, il y est formé au sein de l'atelier du peintre Robert Campin. Il s'installe à Bruxelles en 1435 et devient peintre officiel de la ville. Il répond par ailleurs à de nombreuses commandes des ducs de Bourgogne et de leur entourage. Il effectue un voyage en Italie vers 1450 où il acquiert une certaine renommée. Il termine sa vie à la tête d'un atelier prospère auteur de nombreuses œuvres. Les historiens de l'art lui attribuent une quarantaine d'œuvres encore conservées. Il a, par ailleurs, probablement eu une activité d'enlumineur

Portrait d'une femme

Saint Luc dessinant la Vierge

Man holding book

Lamentation sur le Christ

Portrait of Charles the Bold (le téméraire)

Portrait d'une femme

Saint Ivo

Visitation de Marie

Sainte Catherine

Marie-Madeleine lisant

Pour la 43ème Edition du ...

Je te présente un artiste que j'ai découvert pour la rédaction de..

.. Bon, je sais je suis chiante, le thème devait être "La Renaissance", se sera pour la prochaine ! 😉

Jettes un oeil à droite de mon blog, il y a deux phrases qui me correspondent bien ! 😊

 Né en 1944 en France, Jacques Lucas commence à peindre dès 1963, alors qu'il poursuit des études supérieures d'Histoire de l'Art qui l'amèneront à passer 10 ans au Ministère des Affaires Culturelles. Parallèlement il acquiert une ancienne demeure dans la région de Rennes qui deviendra au fil du temps "La Maison Sculptée" .
          Autodidacte dans la pratique de son art, sa peinture et sa sculpture s'affirmeront au contact d' Edouard Pignon qu'il fréquente dans son atelier de la rue des Arts et de Robert Tatin qu'il rencontre régulièrement pendant plusieurs années dans sa maison de la Frénouze et qui inspirera ses premières sculptures et peintures.
      Il expose dès 1963 dans la région de Poitiers puis à Paris et en Belgique.
      A partir des années 70 jusqu'au début des années 80, il développe une technique de hachures des sujets et de l'espace, rappelant les trames du tissage qu'il pratique à cette époque.
      Vers 1980, il apprend seul le dessin académique. Il en résulte une centaine de portraits et paysages.
      Au début des années 90, son style s'affirme dans une sorte de figuration assujettie aux techniques et matériaux employés ( pastels et pigments écrasés , fixés en plusieurs couches ).
      En 1993, il quitte "La Maison Sculptée" tout en y revenant 2 à 3 mois par an pour installer un atelier à Nice.
      A partir de 1995, les grandes séries de peintures prennent forme ( "peinture de texte texture de son", "les grandes séries noires", les vertébrales bleus", etc )
       Depuis l'installation de son atelier de Nice, création d'environ 3000 peintures dont une série de grands formats : 300 x 200 cm sur toile, ainsi qu'une série d'une trentaine de livres peints.
       Depuis fin 2008, Jacques Lucas travaille à nouveau dans son atelier de "La Maison Sculptée" en Bretagne.

     Thèmes principaux : les corps humains et animaux, leurs transformations, leurs combinaisons, transcriptions fugaces du réel, des phénomènes de la mémoire et de la conscience individuelle. Idée de nouvelle mécanique humaine plus adaptée aux changements de l'environnement planétaire.
       Jusqu'en 2006, Muriel Anssens a réalisé un inventaire raisonné au Musée d'Art Moderne et Contemporain de Nice.

Aborder par la peinture l’inconnaissable, que le concept ne saurait atteindre : tel semble bien être le projet que poursuit Jacques Lucas, avec une sorte d’ardeur farouche, portée par une irrésistible virtuosité. Du centre aux bords, du fond à la surface, le sujet de ses peintures émerge et s’impose comme la conséquence d’un ensemble vivant. Soumis à un processus de perpétuelle reconstruction, le corps lui-même devient l’espace de ces oeuvres saturées. Les clartés émotionnelles portées par les couleurs, volontiers dissonantes, viennent y nuancer les formes tourmentées, d’un modelé presque excessif, mises en place par le fusain et les oppositions noir/blanc. Dans cet éclairage baroque, le peintre formule une interrogation anxieuse sur la survie de l’homme et les formes qu’elle pourrait prendre, au risque pour la conscience individuelle de s’y diluer et de s’y perdre. Démiurge d’un chaos originel où se mêlent les règnes, il donne à voir les anamorphoses, et les métamorphoses inquiétantes, d’un être au devenir incertain.

Texte par Jacques Simonelli

Portrait lunaire (2001)

La main de Jean-Louis (2005)

P'tit bonhomme (1998)

Espaceserrures 1 (1999)

Espaceserrures 2 bleu (1999)

😂

Pour la 42ème Edition du ...

L’artiste japonais Yoshitomo Nara s’inscrit dans le mouvement Pop art nippon. Les enfants et les animaux sont les principaux protagonistes de ses œuvres : ainsi, ses tableaux, en apparences légers et naïfs, cachent une certaine solitude et une colère sous-jacente. La « Cosmic girl »,  jeune et rebelle, est le personnage emblématique de ses compositions marquées par une économie de moyens. Ses œuvres les plus cotées se vendent actuellement plus de 3 millions de dollars.

Cosmic girl

Chat de nuit

Cat

Musique pour la petite fleur

Main magique

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Nara Kitty

Lapin, nulle part, quelque part

Dans le monde flottant

Chien

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Pour la 41ème Edition du ...

Il vit et travail en Bretagne, L'artiste contemporain affiche une écriture picturale entre figuration et abstraction.

Si le paysage constitue le point d'ancrage et de connexion à la création d'une peinture, l'harmonie chromatique demeure la pièce maîtresse dans son interprétation.

Hervé LENOUVEL est un peintre de la couleur, Un artiste qui met en éclat ses émotions et ses états d'âme, Avec une palette riche et généreuse, il nous propose un archipel de visions ludiques traduisant l'intensité de son voyage intérieur.

Les éléments naturels, arbres, eau, ciel, terre s'improvisent à mesure que la peinture

prend forme, avec le soucis de laisser une place suffisamment importante à l'imaginaire,

Ses interprétations résultent de ses observations et souvenirs des paysages qui l'entourent.

Son travail est présenté dans un grand nombre de galeries en France, aux États-Unis et Grande-Bretagne.

Je termine avec ce Tableau Bleu !! "Ligne Bleue" d'Andréa Pramuk ..

 .. C Lundi ! Juillet en Bleu .. N'oublies pas ! ..

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Pour la 37ème Edition du ...

25 septembre 1865 - 7 août 1937, est un peintre postimpressionniste français : Il a été appelé " le peintre de la joie et de la lumière ", par les critiques et les artistes : Il était admiré pour l'intimité de ses thèmes et la joie unique de ses couleurs et de ses formes : Il commence ses études à l'Ecole régionale des beaux arts d'Angers et s'installe à Paris en 1886, là, Lebasque a commencé à étudier avec Léon Bonnat, et a assisté Ferdinand Humbert avec les peintures murales décoratives au Panthéon : A cette époque, Lebasque rencontre Camille Pissarro et Auguste Renoir, qui auront plus tard un grand impact sur son travail. La vision de Lebasque est teintée par son contact avec des peintres plus jeunes, en particulier Edouard Vuillard et Pierre Bonnard, fondateurs du Groupe des Nabis,qui sont les intimistes qui privilégient d'abord le calme et la quiétude des sujets domestiques : De sa première rencontre avec Georges Seurat et Paul Signac, Lebasque a appris la signification d'une théorie des couleurs qui mettait l'accent sur l'utilisation de couleurs complémentaires dans l'ombrage.

" Nono  au bord de la mer "

" Partie de pêche "

' La baignade "

" Lecture au jardin "

" De l'autre côté de la baie "

" Au bord de l'eau "

" Sur la terrasse "

" Sur la terrasse Saint-Maxime "

" Jeunes filles dans un bateau "

" Goûter dans le jardin "

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Pour la 35ème Edition du ...

1593-1652 : Il est né en 1593 à Vic-sur-Seille, très de Metz; en Lorraine, dans une famille de boulanger : Sa période de formation est très mal connue car il n’existe que très peu de documents le concernant. Les jeunes peintres de l’époque souhaitaient tous aller à Rome et partaient parfois en groupe vers la capitale italienne. Certains historiens supposent que de La Tour a fait le voyage de cette manière. Il aurait pu alors voir les œuvres du réalisme baroque de Caravage dont les clair-obscur inspireront ses tableaux. Selon d’autres historiens, il n’a jamais été à Rome et son caravagisme proviendrait des hollandais Gerrit van Honthorst (1590-1656) et Hendrick Terbrugghen (1588-1629) appartenant à l’école caravagesque d’Utrecht : En 1617, il épouse Diane Le Nerf, originaire de Lunéville ; le couple s’installe dans cette ville. Il va rapidement conquérir une célébrité locale et les commandes de tableaux de la bourgeoisie et de la noblesse lorraine vont affluer : sujets religieux et scènes de genre représentant en particulier des musiciens ou des mendiants. La prospérité de la famille ne tarde pas : elle devient l’une des plus riches de Lunéville et, dès 1620, le peintre est reçu « bourgeois de Lunéville ». De La Tour a cependant acquis une réputation de pingrerie attestée par des plaintes de son personnel de maison indiquant qu’on mange fort mal chez lui : Il fera un séjour à Paris, mais quasiment contraint et forcé. La guerre de Trente ans (1618-1648) qui déchire l’Europe va provoquer un grave incendie à Lunéville, en septembre 1638, qui détruit la maison du peintre. La famille se réfugie d’abord à Nancy, puis à Paris où de La Tour est logé au Louvre et devient « peintre ordinaire du Roy ». Ce titre, que revendiquait de La Tour, ne semble cependant pas être attesté par un quelconque document. Dès 1641, sa maison est reconstruite et la famille regagne Lunéville. Le succès se maintiendra jusqu’à la mort du peintre en 1652, causée par une épidémie qui tuera huit personnes dans sa maison (dont sa femme) et plus de huit mille à Lunéville, le couple laissait trois enfants

Georges de La Tour sera complètement oublié après sa mort, le fait qu'in n-ait signé que très peu de ses oeuvres a sans doute facilité cet oubli : C’est l’historien d’art allemand Hermann Voss (1884-1969) qui redécouvre le peintre en 1915, il lui attribue deux toiles du musée des Beaux-arts de Nantes : Dès lors, d’autres historiens et collectionneurs s’intéressent à de La Tour et, en 1934, une exposition au musée de l’Orangerie à Paris présente treize œuvres de l’artiste oublié, bien d’autres découvertes suivront : On lui attribue aujourd’hui avec certitude une trentaine d’œuvres.

" Diogène " (vers 1615-20)

" Saint Jacques le mineur " (vers 1620)

" Le nouveau-né " (1645-48)

" La diseuse de bonne aventure " (1633-39)

" Rixe de musiciens " (1625-30)

" Le tricheur à l'as de carreau " (vers 1635)

" Femme à la puce "(vers 1630)

" Madeleine à la veilleuse " (1642-44)

" Le rêve de Saint Joseph " (vers 1640)

" Les mangeurs de pois "(vers 1620)

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Pour la 34ème Edition du ....

" Un chat es train de jouer " (Henriette Ronner-Knip/1860-1878)

Henriette Ronner-Knip (1821-1909), peintre belgo-néerlandaise, s'était spécialisée dans la peinture animalière, elle représentait les chats dans un souci du détail remarquable.

" Le Poète " (Marc Chagall/ 1949)

Marc Chagall (1887-1985), était l'un des pionniers du modernisme, il incluait souvent des chats dans ses oeuvres pour souligner l'onirisme qui lui était cher : Les félins étaient associés aux artistes rêveurs qu'il dessinait.

" Chat sur le coussin jaune " (Franz Marc/ 1912)

Franz Marc (1880-1916), peintre animalier allemand, était le co-créateur du mouvement " Le Cavalier bleu " (Der Blaue Reiter) avec Wasily Kandinsky : Il peignait souvent des chats, symbolisant, selon lui la pureté, la vérité et la beauté, comme ce félin endormi sur un coussin jaune.

" Le Chat blanc " (Pierre Bonnard/ 1894)

Ce tableau, exposé au Musée d'Orsay, représente avec humour et démesure le chat faisant le gros dos pour impressionner son vis-à-vis, il est l'oeuvre de Pierre Bonnard (1867-1947), peintre décorateur, illustrateur et sculpteur français

" Julie Manet " ou " L'enfant au chat " ( Pierre-Auguste Renoir/ 1887)

Pierre-Auguste Renoir a peint ici Julie Manet, fille d'Eugène Manet (frère d'Edouard Manet) et Berthe Morisot, accompagnée d'un chat.

" The Bachelor Party " (Louis Wain/ 1939)

L'artiste Louis Wain (1860-1939), avait créé plusieurs tableaux représentant des chats anthropomorphes : Celui-ci a été peint peu avant sa mort

" Le Déjeuner du chat " (Marguerite Gérard)

Marguerite Gérard (1761-1837), peintre français, peignait principalement des portraits intimistes et des scènes de genre : Ce tableau est exposé au Musée Fragonard de l'école vétérinaire de Maisons-Alfort.

" Chat saisissant un oiseau " (Pablo Picasso/ 1939)

Pablo Picasso (1881-1973) avait créé plus d'une version de ce tableau, où on observe un contraste entre la neutralité du fond et la " brutalité " de cette scène de chasse.

" Raminou " (Suzanne Valadon/ 1920)

Suzanne Valadon (1865-1938), aartiste française, a été la première femme peintre à entrer à la Société Nationale des Beaux-arts en 1894 : Elle était fascinée par les chats, son préféré " Raminou " ayant fait l'objet de plusieurs de ses tableaux.