Archives

Ici ..

Pour la 50ème Edition du ..

Edvard Munch

Autoportrait-1882-

BIOGRAPHIE EDVARD MUNCH - Peintre expressionniste norvégien, Edvard Munch était également graveur. Il a peint de célèbres tableaux tels que "Le Cri", "Séparation", "La Danse de la vie" ou "La Madone".

 

Biographie courte d'Edvard Munch - Le peintre et graveur Edvard Munch est né le 12 décembre 1863 à Adalsbruk en Norvège. Il poursuit des études techniques avant d'intégrer l'école royale de dessin, où il étudie les anciens maîtres. Aux côtés du naturaliste Christian Krohg, Edvard Munch développe son talent pour le réalisme français. Grâce à des bourses d'études, l'artiste visionnaire peut voyager. Il s'installe à Paris, où il désire peindre les affres de son existence, puis à Berlin. Edvard Munch côtoie de nombreux artistes et se fait réellement connaître grâce à une exposition en 1892. Le peintre développe ses sujets et multiplie les techniques. Il entretient par ailleurs une relation amoureuse difficile avec Tulla Larsen.

 

Les oeuvres d'Edvard Munch

Figure de proue de la peinture moderne, Edvard Munch est un peintre norvégien du XIXe siècle. Il excelle dans l'expressionnisme, ce courant, qui s'opposant à l'impressionnisme français, valorise la subjectivité du peintre plutôt que le réalisme, afin de provoquer une émotion chez le spectateur. Ses œuvres les plus connues, "Le Cri", "La Madone" (Madonna) et "Séparation", marquent l'apogée de son talent, dans les années 1890. Ses peintures reconnues font de lui un artiste célèbre en Europe et dans le monde entier. Les thématiques de la mort, de la tristesse et de la maladie qui ont ponctué sa vie et celle de sa famille imprègnent ses tableaux. Dépressif, Edvard Munch sombre dans l'alcoolisme et séjourne six mois en clinique à Copenhague. En Allemagne, les nazis qualifient son art de "dégénéré", au même titre que Marc Chagall, et brûlent près de 80 de ses œuvres en 1937. L'artiste continue à peindre jusqu'à la fin de sa vie, qu'il termine de façon solitaire. Edvard Munch décède le 23 janvier 1944 à Oslo (Norvège). Disparu à 80 ans, le peintre laisse derrière lui plus d'un millier de tableaux, dessins et sculptures. Son visage apparaît sur les billets de 1000 krones, dans la monnaie norvégienne.

 

 

 

 

 

"Le cri"-1893-

"Golgotha"-1900-

"Clair de lune"-1895-

"Puberté"-1895-

"La vigne vierge rouge"-1898-1900-

"Cendre"-1894-

"L'enfant malade"-1907-

"La danse de la vie"-1900-

"Mélancolie"-1891-

 "Madonna"-1894-1895-

Ici ..

Le « Père-Lachaise des animaux », un des plus atypiques cimetières de l’Hexagone...

Le cimetière des chiens est l’un des plus anciens lieux de sépulture pour animaux en France (et le seul qui soit public). Fondé par la journaliste féministe Marguerite Durand en 1899 à Asnières-sur-Seine, au nord de Paris, il a accueilli les dépouilles de plusieurs dizaines de milliers d’animaux depuis sa création.

Situé à l’entrée d’Asnières, à quelques kilomètres au nord de Paris, le cimetière des chiens est un lieu bien particulier. Bordé par la Seine où l’on peut voir passer les péniches, dans un parc arboré, ce « Père-Lachaise des animaux » comme certains l’appellent prend des accents bucoliques ou plus fantasmagoriques en fonction de la météo et de la saison.

Il est ouvert depuis 1899 sur l’île des Ravageurs, un ancien îlot de la Seine dont le bras mort a été comblé à la fin des années 1970 afin de construire un nouveau pont prolongeant la ligne 13 du métro parisien entre Asnières et Clichy. De vieilles tombes vermoulues et bancales côtoient des caveaux en marbre où s’affichent parfois des messages un peu kitsch, mais remplis de l’émotion des anciens maîtres à leurs compagnons à poils ou à plumes.

« Pour comprendre comment est né ce cimetière bien particulier, il faut expliquer le contexte de l’époque, explique François-Xavier Chaix, archiviste à la mairie d’Asnières. Au cours du XIX^e siècle, la condition animale évolue fortement et s’améliore pour nos amis les bêtes. » En effet, lentement, le statut de l’animal change. Il n’est plus seulement vu comme un utilitaire, mais devient un véritable compagnon. En 1845, la Société protectrice des animaux est créée à Paris – sur le modèle de l’association anglaise, fondée plus de vingt ans plus tôt – par le comte de Grammont, affligé par les mauvais traitements infligés aux chevaux dans les rues de la capitale.

Une question de salubrité publique

Si le sort des animaux s’améliore de leur vivant, rien n’est prévu après leur mort. « Théoriquement, les cadavres devaient être envoyés à l’équarrissage dans les 24 heures, poursuit François-Xavier Chaix. Mais la plupart du temps, les cadavres des animaux étaient jetés aux ordures ménagères, quand ce n’était pas directement dans la Seine ou dans les anciennes fortifications de Paris. Cela a rapidement posé des problèmes. »

La capitale connaît au cours de ce siècle une série d’épidémies de choléra et de gale. Alors que les progrès de scientifiques comme Pasteur poussent les autorités à l’hygiénisme, le code rural est modifié en 1898 : les corps des animaux domestiques pourront être enterrés « dans une fosse située autant que possible à cent mètres des habitations et de telle sorte que le cadavre soit recouvert d’une couche de terre ayant au moins un mètre d’épaisseur ». Après cette nouvelle loi, l’ouverture d’un cimetière animalier devient possible.

La création du cimetière

Cette idée sera mise en œuvre par Marguerite Durand. Cette journaliste féministe, soucieuse du bien-être animal, décide de fonder ce cimetière d’un nouveau genre avec l’aide de l’avocat Georges Harmois. « Ils jettent leur dévolu sur cette île, qui appartient au baron de Bosmolet, et lui rachètent la moitié située en amont du pont de Clichy, ajoute l’archiviste. Ils fondent la Société française anonyme du cimetière pour chiens et autres animaux domestiques le 2 mai 1899, après l’obtention de l’autorisation du préfet de la Seine. »

Amis des bêtes, les fondateurs précisent cependant dans les statuts du nouveau cimetière qu’il est interdit de singer des funérailles humaines lors des enterrements. Plusieurs constructions furent projetées, comme un columbarium et un musée des animaux domestiques, mais seuls les jardins, le bâtiment d’entrée et la nécropole sont réalisés. Cette dernière est divisée en quatre quartiers : celui des chiens, celui des chats, celui des oiseaux et celui des autres animaux.

L’architecte parisien Eugène Petit, dont plusieurs immeubles du XIV^e arrondissement portent la signature, est chargé de dessiner l’entrée du cimetière. On lui doit le portail monumental de style Art nouveau de près de 25 mètres.

Les « stars » du cimetière

Dès l’entrée du cimetière, une grande statue représentant un épagneul des Alpes avec sur son dos un enfant accueille le visiteur. « Ce cénotaphe (tombeau élevé à la mémoire d’un mort mais qui ne contient pas son corps, NdlR.) a été dressé dès l’ouverture du cimetière en hommage à Barry, prédécesseur de la race Saint-Bernard, qui appartenait aux moines de cet hospice situé sur les flancs du col éponyme, poursuit François-Xavier Chaix. Il aurait sauvé, au début du XIX^e siècle, 40 voyageurs perdus dans la montagne, et la légende raconte qu’il aurait été tué par la 41^e qui l’aurait confondu avec un loup. Ce chien, très célèbre à l’époque, n’est pas enterré ici ; il a été naturalisé et est exposé aujourd’hui au musée d’histoire naturelle de Berne. »

Dans les allées, plusieurs « personnalités » sont enterrées. La plus connue sans doute est le chien acteur Rintintin, qui fit carrière à Hollywood ! « C’est un chiot qui a été trouvé dans une tranchée par un soldat américain, qui l’a baptisé ainsi en référence à une petite poupée appelée Rintintin qui était alors vendue à l’arrière du front pour soutenir les Poilus, raconte l’archiviste. À la fin du conflit, ce sammy a ramené avec lui l’animal, qui tournera dans 32 films aux États-Unis entre 1922 et 1932. » À sa mort, le corps du chien sera rapatrié en France et enterré ici.

D’autres chiens-acteurs ont également leur sépulture dans ce cimetière, comme Poilu, qui a joué dans le film Mon curé chez les riches en 1952. On trouve également plusieurs chevaux de course, comme Troytown, un crack anglais vainqueur du Steeple-chase de Paris en 1919 et mort sur le champ de courses d’Auteuil l’année suivante.

Animaux connus et anonymes, venus de France et d’ailleurs

Chiens de tranchées, chiens policiers… On trouve également bon nombre de bêtes ayant appartenu à des têtes couronnées ou des artistes. Ainsi la princesse Hélène de Roumanie a son chat enterré là, tout comme les animaux de compagnie du compositeur Camille Saint-Saëns, de l’acteur Sacha Guitry ou plus récemment de l’écrivain Michel Houellebecq.

Certaines de ces bêtes viennent également de l’étranger, comme le caniche Tipsy, qui défraya la chronique en 2012. Sa propriétaire, une riche américaine, descendante du fondateur des brasseries Budweiser, avait fait enterrer son chien avec un collier de diamants. La tombe fut profanée pour voler le bijou !

Mais à côté de ces « célébrités », la majorité des chiens, chats, chevaux, mais aussi cochons d’inde, poules, singes, veaux, lapins, tortues ou encore fennecs reposent, anonymes, dans le cimetière. Depuis l’ouverture, plusieurs dizaines de milliers d’animaux ont été enterrés ici. « La 40 000^e bête à avoir été inhumée dans la nécropole est un chien errant, raconte François-Xavier Chaix. Il est venu mourir devant les portes du cimetière le 15 août 1958. La direction décida à l’époque de lui offrir une sépulture. Elle est toujours visible aujourd’hui. » Car à côté des tombes les plus anciennes, qui représentent un intérêt patrimonial, les concessions tournent, comme dans tout cimetière. Pour enterrer son fidèle compagnon, cela coûte entre 148 et 297 € par an, en fonction de la taille de l’animal.

Un lieu touristique

Depuis le début des années 1990, le cimetière a un statut municipal et est géré par la mairie d’Asnières. « En 1986, la société anonyme propriétaire du lieu était en difficulté », rappelle l’archiviste. Il a été question de fermer le cimetière des chiens, mais face à l’émoi suscité par la nouvelle, la municipalité a décidé de le racheter. Entre-temps, il a été inscrit à l’inventaire des monuments historiques pour son « intérêt à la fois pittoresque, artistique, historique et légendaire ».

Au-delà des 869 concessionnaires référencés, le lieu est ouvert au public, moyennant un prix d’entrée de 3,50 €. Le cimetière des chiens attire chaque année près de 4 000 visiteurs, et on vient parfois de loin pour découvrir cet endroit atypique. Beaucoup de Japonais, mais aussi des Américains, comme le prouvent ce jour-là deux touristes venues de Caroline du Nord : elles ont suivi les recommandations d’un blog d’outre-Atlantique proposant de visiter Paris hors des sentiers battus. La Ville d’Asnières organise également des visites commentées, la dernière s’est déroulée lors des dernières Journées du patrimoine.

Ici ..

QUI ÉTAIT LE PÈRE LACHAISE?

Dernière demeure de Balzac, Chopin, Edith Piaf ou encore Jim Morrison, le cimetière du Père Lachaise est un véritable lieu d'histoire. Mais celui qui a donné son nom au plus grand cimetière parisien est aujourd'hui moins connu que ses célèbres hôtes. Le père Lachaise, ou plus précisément François d'Aix de la Chaize était pourtant un personnage éminent: le confesseur du roi Louis XIV.

Portrait de François d'Aix de La Chaise dit père Lachaise. © BNF Gallica

Le prêtre résidait à l'endroit même où se trouve le cimetière aujourd'hui. D'abord connu sous le nom de la Folie-Régnaut puis de Mont-Louis, le domaine n'a rien à voir à l'époque avec une nécropole. A la place se trouve la maison d'un riche commerçant, qui sera ensuite rachetée par les Jésuites au début du 17e siècle. C'est à cet endroit que s'installe le confesseur du roi.

Une notoriété qui reste dans le quartier

Sa notoriété marque le quartier, la propriété des Jésuites est connue sous le nom de Maison du Père Lachaise. Ce n'est qu'au 19e siècle que la parcelle devient un cimetière alors que les autorités cherchent des terrains pour installer des cimetières.

Les 43 hectares acquis deviennent en 1804 le cimetière de l'Est. Mais l'appellation ne perdurera pas et le public continue d'identifier le lieu au nom du confesseur de Louis XIV. Ironie de l'histoire, François de La Chaize n'est même pas inhumé dans le cimetière parisien mais dans l'église Saint-Paul Saint-Louis, située dans le Marais. Le père La chaize ne réside pas au palais de Versailles, mais à la maison professe près de l'église Saint-Paul à Paris, conformément à la règle des Jésuites ayant une fonction officielle. Il est inhumé dans la crypte de cette église.

"Arman"-Peintre-sculpteur

"Balzac"

"Alain Baschung"

"Colette"

"Marie Trintignant-Sophie Daumier"

"Molière"

"Oscar Wilde"

"??"

"Edith Piaf"

"Marcel Marceau"

 

 

Ici ...

 

15 anecdotes artistiques insolites pour briller à l'apéro..

Une oeuvre accrochée à l'envers, des inspirations inattendues, des révélations surprenantes...Retour sur 15 anecdotes d'histoire de l'Art qui vont épater la galerie 

La torpeur de l’été commence à peser, les apéros ne cessent de s’enchaîner, mais tu aurais bien besoin d’une petite dose de culture (et de sujets de secours, si la discussion tourne court).

Pour t'aider, Beaux Arts te propose une sélection d’anecdotes à picorer entre deux cacahuètes et un verre de rosé (à consommer avec modération bien sûr) : le surnom intime de Toulouse-Lautrec, un film d’horreur inspiré par Magritte, le rapport entre le Centre Pompidou et Nike… Et qui sait ? Peut-être ressortiras-tu du dîner aussi inspiré que Salvador Dalí !

1. Orange is the new safran

Le savais-tu Avant 1540, l’orange s’appelle… « safran », comme l’épice venue d’Orient ! C’est à cette date que la couleur, qui tire finalement son nom de l’agrume, est pour la première fois mentionnée dans un manuscrit anglais.

2. Chefs-d’œuvre à la chaîne

Pablo Picasso a peint quelque 60 000 œuvres au cours de sa vie, soit deux par jour en moyenne.

Portrait de Pablo Picasso dans son atelier, cigarette à la main, Paris, vers 1950
 

3. Question de bon sens

Au MoMA de New York en 1961, « Le Bateau » de Matisse a été exposé pendant 47 jours… à l’envers ! Personne n’avait vu l’erreur.

4. Une femme en vaut trois

Les trois femmes dans Femmes au jardin de Monet (1866) ont toutes le même visage… Celui de Camille, épouse de l’impressionniste.

Claude Monet, Femmes au jardin, à Ville d’Avray, vers 1866

5. La revanche d’une ex

Baudelaire a demandé à Courbet d’effacer son ex-maîtresse, Jeanne Duval, tout à droite de sa toile L’Atelier du peintre (1855) où il figure lisant un livre. Ironie du sort, la peinture s’oxydant la silhouette de la jeune femme se devine à nouveau par transparence.

Gustave Courbet, L’Atelier du peintre. Allégorie réelle déterminant une phase de sept années de ma vie artistique et morale, 1854–1855

6. Ça sent le vécu

Dalí a eu l’idée de peindre la Persistance de la mémoire (1931), son fameux tableau aux montres molles, après avoir vu lors d’un dîner un « camembert coulant ».

7. Royales caries

Parce qu’elle avait les dents gâtées par un abus de sucrerie, l’impératrice Joséphine ne souriait jamais sur les tableaux.

François Gérard, Joséphine en costume de sacre, 1807–1808

 

 

8. Un surnom fort de café !

Parce qu’il souffrait de priapisme (une érection prolongée et douloureuse), Toulouse-Lautrec était surnommé par les filles des maisons closes qu’il côtoyait « la cafetière » – son manche étant toujours bien droit 

Henri de Toulouse-Lautrec en habit de femme, vers 1890

Suzanne Valadon, Portrait de Maurice Utrillo, 1921

J-346 avant Paris 2024 ! Savais-tu que de 1912 à 1948, les JO avaient des épreuves d’art ? Le « Pentathlon des muses » récompensait en architecture, littérature, musique, peinture et sculpture, les meilleures représentations du sport.

Affiche officielle des Jeux olympiques d’été de Londres 1948

 

11. Une pompe qui ne manque pas d’air !

Tinker Hatfield a eu l’idée du design de la basket Air Max de Nike, avec sa bulle d’air apparente dans la semelle, en découvrant l’architecture du Centre Pompidou toute tuyauterie dehors.

12. Jeux de mains…

La majorité des empreintes de mains trouvées dans les grottes ornées en France et en Espagne ont été faites par des femmes.

13. Diaboliquement efficace

L’Empire des lumières (1954) de René Magritte a inspiré une célèbre scène du film d’horreur L’Exorciste (1973) : l’arrivée du père Merrin devant la maison des McNeil.

Affiche de l’Exorciste de William Friedkin / René Magritte, L’Empire des lumières, 1973 / 1954

Victime d’un pigment noir à base de bitume qui a mal séché, Le Radeau de La Méduse, chef-d’œuvre de Théodore Géricault (1818) conservé au Louvre, est amené à disparaître !

Théodore Géricault, Le Radeau de La Méduse, 1818 – 1819

15. Passion chats, passion châteaux

L’architecte Eugène Viollet-le-Duc, connu pour la restauration de Notre-Dame, aimait tellement les chats qu’en restaurant le château de Pierrefonds au XIX^e siècle, il s’est amusé à inclure 80 sculptures félines un peu partout !

Eugène Viollet-le-Duc, L’un des nombreux chats du château de Pierrefonds, 1858

 

 

 

 

Ici ...

Biographie de Katy Hessel

Historienne de l'art, conservatrice et créatrice de la page @thegreatwomenartists sur Instagram en faveur des artistes féminines, fédérant près de 300 000 abonnés, Katy Hessel a donné des conférences au Tate Museum, à la National Gallery, Christie's et à l'université de Cambridge. Elle a présenté des films pour la BBC, Sotheby, l'Académie royale et écrit dans le magazine Vogue ainsi que pour des podcasts (Christian Dior).
Pour la première fois, elle publie une histoire de l'art sans les hommes, superbe beau livre où l'oeuvre des femmes artistes à travers le monde est enfin mise en lumière.

 

Ici ..

Pour la 49ème Edition du ..

« L’essence même de la créativité signifie qu’elle ne peut être définie et compartimentée ; Présentant à l’artiste, une immunité de la direction conventionnelle, l’adoption d’une direction différente, lui accordant la liberté et la possibilité de chercher des voies alternatives."

"Un artiste doit être un inventeur ainsi qu’un interprète, créant des idées originales, puis interprétant ces idées sur une toile ou un support alternatif sélectionné.

Je suis diverse dans mon attitude envers l’art, donc pour moi rester dans un style est pratiquement impossible, chaque style a besoin d’une approche différente et d’une discipline différente.

Je me mets constamment au défi, c’est au cœur de mon être même, de briser les murs qui nous entourent, de découvrir, de chercher au-delà, de percer dans une direction inconnue.

Notre existence même est une existence qui nécessite une analyse constante qui coïncide avec mon défi constant d’allumer une identité inconnue à l’intérieur, à la recherche d’une voie incontestée. C’est par la confrontation personnelle avec soi-même que l’on découvre et dépasse de nouvelles frontières et que l’on change les concepts traditionnels de l’art.

L’évolution des beaux-arts nous concerne tous et c’est l’artiste qui s’efforce constamment d’apporter une prise de conscience et une reconnaissance à l’extraordinaire monde de l’art. C’est une entreprise émotionnelle et spirituelle et parfois écrasante."

Paul Ygartua, né en 1945 à Liverpool d'un père espagnol basque et d'une mère anglaise, a fait ses études d'art au sein du "Liverpool Art College" avant de partir s'installer à 19 ans à Vancouver, où il a commencé à peindre. C'est grâce à ses portraits de chefs indiens qu'il a rencontré ses premiers succès. Il a réalisé d'ailleurs plusieurs gigantesques murailles sur ce sujet, dont la plus connue pour le pavillon des Nations Unies à l'occasion de l'exposition universelle de Vancouver : Son style a évolué au fil des années et il a expérimenté beaucoup de techniques différentes. Son travail tend vers l'abstrait qu'il aime réaliser particulièrement sur les grands formats. Ses toiles sont libérées et colorées, elles dégagent une harmonie instinctive. Paul est un peintre instinctif : sa joie de vivre communicative, son énergie et son esprit passionné imprègnent son oeuvre.
Paul Ygartua a reçu de nombreuses distinctions. Il expose dans des salons d'art contemporain et des galeries, à travers le monde. Il travaille régulièrement sur commande pour des toiles ou des fresques.

"Frenzy"

"Echec & Mat"

"Fascination"

"Homme & Femme"

"Musicos-Cuadro"

"De Près"

​​​​

Une Tite visite chez Lilou ?

Ici ...

Ma Participation au ...

Les Allégories des cinq sens sont une série de cinq tableaux mettant en scène les personnifications féminines des sens, peints par Jan Brueghel l'Ancien (Brueghel de Velours) et Pierre Paul Rubens en 1617 et 1618 à Anvers.

Il s’agit de l’un des exemples les plus célèbres¹ et les plus réussis² de la collaboration de Brueghel avec Rubens, par ailleurs unis par une étroite amitié.

Bien que la représentation des cinq sens sous les traits de personnages féminins remonte au xvi^e siècle³, c'est Brueghel qui, le premier, prendra prétexte du thème pour mettre en scène des amoncellements d’œuvres d'art, d'instruments de musique, d'outils scientifiques et d'équipements militaires, accompagnés des fleurs de la terre et du produit de la chasse et de la pêche¹. Cette manière de traiter ce thème sera largement reprise dans la peinture flamande².

Cette série de peintures est aujourd’hui exposée au musée du Prado, à Madrid, en Espagne.

Biographie détaillée de Peter Paul Rubens (1577 – 1640)

“Pierre-Paul Rubens, peintre flamand, né à Siegen, près de Cologne, le 28 juin 1577 mort à Anvers le 30 mai 1640. Un tapissier, Jean Rubens, échevin d’Anvers, suspect de calvinisme, était parti pour Cologne en 1568 avec sa femme, Maria Pypelinex, après l’exécution, des comtes d.’Egmont et de Hornes. Il eut là l’occasion d’assister, comme juriste, la femme de Guillaume le Taciturne; entraîné par elle dans des relations clandestines, il fut emprisonné à Siegen (1574) par le comte de Nassau, frère de Guillaume. Maria Pypelinex, cœur généreux et femme de tête, profitant de ce que les Nassau craignaient le scandale, obtint à prix d’or son internement d’abord à Siegen (1573), puis à Cologne (1578), enfin sa liberté complète (1583).

Voilà comment Pierre-Paul Rubens naquit et fut élevé en terre germaine. Ramené à Anvers après la mort de son père, en juin 1587, il apprit le flamand, le français et le latin. Il devait, plus tard, se servir couramment de l’italien dans sa correspondance.

Biographie de Pieter Brueghel

Les Brueghel constituent une dynastie de peintres flamands dont les plus importants sont Pieter Brueghel l'Ancien et Jan Brueghel de Velours. Pieter Brueghel, dit l'Ancien, grand peintre de la Renaissance flamande, eut deux fils également peintres : Pieter le Jeune dit d'Enfer (1564-1638) et Jan I (1568-1625) dit de Velours. Jan I aura lui-même deux fils peintres : Jan II dit le Jeune (1601-1678) et Ambrosius (1617-1675). Enfin Jan II aura deux fils peintres : Abraham (1631-1697) et Jan-Baptist (1647-1719). Le nom de la famille provient d'un petit village situé près de Breda, au sud des actuels Pays-Bas, où serait né Brueghel l'Ancien. Il choisit en effet le nom de ce village pour signer ses toiles. L'orthographe peut fluctuer : Brueghel ou Bruegel ou encore Breughel (adaptation en français, déconseillée).

Les informations biographiques concernant ce peintre sont peu nombreuses et il est courant de se référer à Karel Van Mander qui lui consacre un bref article. Sa date de naissance n'est pas connue, mais se situe probablement autour de 1525. Selon Van Mander, il fut l'élève de Pieter Coecke van Aelst (1502-1550), peintre flamand célèbre pour avoir peint une évocation très animée de La Cène dans une sorte d'auberge flamande. En 1552-53, il voyage en Italie selon un itinéraire que l'on a pu reconstituer en partie grâce aux dessins réalisés à cette occasion. Il a été jusqu'à Rome. A l'exception de ce voyage, Brueghel l'Ancien travaille à Anvers de 1551 à 1562 et appartient à la Guilde des peintres de la ville. Il se lie avec Hans Franckert, un marchand originaire de Nuremberg, qui est aussi son commanditaire. Van Mander rapporte les équipées des deux compères :

"Allégorie de la Vue"-1617-

"Allégorie de l'Ouïe"-1617-1618

"Allégorie de l'Odorat"1617-1618

Allégorie du Goût"-1618-

Allégorie du Toucher"-1617-1618

Ici ...

"Rêve dans les ruines de Pompéi-Paul-Alfred de Curzon (1866)

La nuée ardente du Vésuve aurait tué les habitant  de Pompéi en moins de 20 minutes

C'était en l'an 79. Après huit siècles de sommeil, le Vésuve entrait violemment en éruption et projetait un nuage de cendres et de gaz brûlants dans les airs. Les alentours du volcan n'y résistèrent pas. Les heures suivantes, ce sont des milliers d'habitants qui furent tués, des paysages dévastés et des villes dont Pompéi et Herculanum rayées de la carte.

Cette catastrophe demeure à ce jour l'une des plus dramatiquement célèbres de l'Histoire. Mais que s'est-il exactement passé ce jour-là ? Et comment les habitants sont-ils réellement morts ? C'est ce que tentent encore de déterminer les scientifiques et archéologues près de deux millénaires après l'éruption volcanique.

De précédentes recherches ont estimé que le nuage du Vésuve s'était élevé jusqu'à une trentaine de kilomètres et avait déversé quelque quatre kilomètres cubes de pierres ponces et de cendres sur ses alentours. Aujourd'hui, une nouvelle étude publiée dans la revue Scientific Reports vient compléter le tableau.

Selon ces travaux menés par une équipe italienne et britannique, la nuée ardente du volcan italien aurait persisté entre 10 et 20 minutes à Pompéi. Soit suffisamment longtemps pour que la majorité des habitants meurent asphyxiés par les gaz et la pluie de cendres avant d'être atteints par les autres éléments relâchés par l'éruption du Vésuve.

Une coulée moins brûlante et intense ?

Les coulées pyroclastiques sont le phénomène le plus dévastateur des éruptions dites explosives. Comparables à des avalanches, elles sont formées d'un flux dense de particules de température élevée qui dévale à très grande vitesse les flancs du volcan. Selon les recherches, l'éruption de 79 aurait connu deux phases et libéré plusieurs coulées

A Herculanum, qui était situé au pied du Vésuve, les observations ont suggéré que la température et la puissante du phénomène étaient tellement élevées que toute survie était impossible. A Pompéi localisée un peu plus loin, en revanche, les indices laissaient penser que la coulée était peut-être moins brûlante et intense.

Or, sous de telles conditions, une survie pourrait éventuellement être possible si la coulée n'avait persisté que pendant quelques minutes. C'est pour en avoir le coeur net que les scientifiques ont démarré une nouvelle étude en combinant des données collectées sur le site archéologique et les résultats de précédentes recherches.

Ceci leur a permis de concevoir un modèle mathématique pour réaliser des simulations numériques et estimer les paramètres physiques des coulées pyroclastiques. Verdict : les habitants de Pompéi n'avaient finalement que très peu de chances d'échapper aux phénomènes dévastateurs.

17 minutes en enfer

Selon les résultats, le mélange de gaz et de cendres présentait une température avoisinant les 115°C et une pression dynamique légèrement supérieure ou inférieure à 1.000 pascals (Pa). C'est bien moins que les valeurs estimées à Herculanum. Mais à Pompéi, la coulée aurait largement perduré.

 

Les calculs indiquent qu'elle aurait englouti la ville durant 17 minutes en moyenne. Combinée à la concentration en particules, cette durée semble largement suffisante pour provoquer des effets mortels sur les habitants. En clair, l'asphyxie liée à l'inhalation des cendres seraient la principale cause de décès chez ces derniers.

"Il est probable que des dizaines de personnes sont mortes en raison de la pluie de lapili (les éjectats volcaniques, ndlr) qui est tombée sur Pompéi après l'éruption, mais la plupart sont mortes d'asphyxie", a résumé Roberto Isaia, chercheur à l'Observatoire du Vésuve de l'Institut national de géophysique et de volcanologie (INGV) repris par The Guardian.

"Ces 15 minutes au sein d'un nuage infernal ont dû être interminables. Les habitants ne pouvaient pas imaginer ce qui était en train de se produire. Les Pompéiens ont vécu avec les séismes mais pas avec les éruptions, donc ils ont été pris par surprise et balayés par le nuage incandescent de cendres", a poursuivi le co-auteur de l'étude.

Si cette nouvelle étude précise le scénario de l'éruption, ce dernier comporte encore de nombreuses zones d'ombre, que les archéologues tentent de combler en poursuivant les fouilles sur le terrain. Et près de deux millénaires après, les découvertes se poursuivent au milieu des ruines de la cité disparue.

Comprendre pour mieux prévoir

Néanmoins, ces travaux résonnent aussi dans le présent alors que le Vésuve, de même que de nombreux volcans, demeurent sous étroite surveillance à travers le monde. "Le modèle développé peut être appliqué à d'autres volcans actifs", a confirmé dans un communiqué Roberto Isaia.

"Il est très important d'être capable de reconstruire ce qui s'est produit durant les éruptions passées du Vésuve, à partir des données géologiques, afin de retracer les caractéristiques des coulées pyroclastiques et leur impact sur la population", a renchéri le professeur Pierfrancesco Dellino de l'université de Bari en Italie et premier auteur de l'étude.

"L'approche scientifique de cette étude révèle des informations contenues dans les dépôts pyroclastiques qui clarifie de nouveaux aspects sur l'éruption de Pompéi et fournit des aperçus précieux pour interpréter le comportement du Vésuve, également en termes de protection civile", a-t-il ajouté.

Le volcan napolitain s'est réveillé à plusieurs reprises au XXe siècle. Sa dernière éruption remonte à il y a plus de 75 ans, en 1944. Mais s'il en connaissait une nouvelle, les conséquences pourraient être considérables. Actuellement, quelque 700.000 personnes vivent sur les flancs du Vésuve et quatre millions dans la région environnante. 

 

 

 

Ici ...