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Le « Père-Lachaise des animaux », un des plus atypiques cimetières de l’Hexagone...

Le cimetière des chiens est l’un des plus anciens lieux de sépulture pour animaux en France (et le seul qui soit public). Fondé par la journaliste féministe Marguerite Durand en 1899 à Asnières-sur-Seine, au nord de Paris, il a accueilli les dépouilles de plusieurs dizaines de milliers d’animaux depuis sa création.

Situé à l’entrée d’Asnières, à quelques kilomètres au nord de Paris, le cimetière des chiens est un lieu bien particulier. Bordé par la Seine où l’on peut voir passer les péniches, dans un parc arboré, ce « Père-Lachaise des animaux » comme certains l’appellent prend des accents bucoliques ou plus fantasmagoriques en fonction de la météo et de la saison.

Il est ouvert depuis 1899 sur l’île des Ravageurs, un ancien îlot de la Seine dont le bras mort a été comblé à la fin des années 1970 afin de construire un nouveau pont prolongeant la ligne 13 du métro parisien entre Asnières et Clichy. De vieilles tombes vermoulues et bancales côtoient des caveaux en marbre où s’affichent parfois des messages un peu kitsch, mais remplis de l’émotion des anciens maîtres à leurs compagnons à poils ou à plumes.

« Pour comprendre comment est né ce cimetière bien particulier, il faut expliquer le contexte de l’époque, explique François-Xavier Chaix, archiviste à la mairie d’Asnières. Au cours du XIX^e siècle, la condition animale évolue fortement et s’améliore pour nos amis les bêtes. » En effet, lentement, le statut de l’animal change. Il n’est plus seulement vu comme un utilitaire, mais devient un véritable compagnon. En 1845, la Société protectrice des animaux est créée à Paris – sur le modèle de l’association anglaise, fondée plus de vingt ans plus tôt – par le comte de Grammont, affligé par les mauvais traitements infligés aux chevaux dans les rues de la capitale.

Une question de salubrité publique

Si le sort des animaux s’améliore de leur vivant, rien n’est prévu après leur mort. « Théoriquement, les cadavres devaient être envoyés à l’équarrissage dans les 24 heures, poursuit François-Xavier Chaix. Mais la plupart du temps, les cadavres des animaux étaient jetés aux ordures ménagères, quand ce n’était pas directement dans la Seine ou dans les anciennes fortifications de Paris. Cela a rapidement posé des problèmes. »

La capitale connaît au cours de ce siècle une série d’épidémies de choléra et de gale. Alors que les progrès de scientifiques comme Pasteur poussent les autorités à l’hygiénisme, le code rural est modifié en 1898 : les corps des animaux domestiques pourront être enterrés « dans une fosse située autant que possible à cent mètres des habitations et de telle sorte que le cadavre soit recouvert d’une couche de terre ayant au moins un mètre d’épaisseur ». Après cette nouvelle loi, l’ouverture d’un cimetière animalier devient possible.

La création du cimetière

Cette idée sera mise en œuvre par Marguerite Durand. Cette journaliste féministe, soucieuse du bien-être animal, décide de fonder ce cimetière d’un nouveau genre avec l’aide de l’avocat Georges Harmois. « Ils jettent leur dévolu sur cette île, qui appartient au baron de Bosmolet, et lui rachètent la moitié située en amont du pont de Clichy, ajoute l’archiviste. Ils fondent la Société française anonyme du cimetière pour chiens et autres animaux domestiques le 2 mai 1899, après l’obtention de l’autorisation du préfet de la Seine. »

Amis des bêtes, les fondateurs précisent cependant dans les statuts du nouveau cimetière qu’il est interdit de singer des funérailles humaines lors des enterrements. Plusieurs constructions furent projetées, comme un columbarium et un musée des animaux domestiques, mais seuls les jardins, le bâtiment d’entrée et la nécropole sont réalisés. Cette dernière est divisée en quatre quartiers : celui des chiens, celui des chats, celui des oiseaux et celui des autres animaux.

L’architecte parisien Eugène Petit, dont plusieurs immeubles du XIV^e arrondissement portent la signature, est chargé de dessiner l’entrée du cimetière. On lui doit le portail monumental de style Art nouveau de près de 25 mètres.

Les « stars » du cimetière

Dès l’entrée du cimetière, une grande statue représentant un épagneul des Alpes avec sur son dos un enfant accueille le visiteur. « Ce cénotaphe (tombeau élevé à la mémoire d’un mort mais qui ne contient pas son corps, NdlR.) a été dressé dès l’ouverture du cimetière en hommage à Barry, prédécesseur de la race Saint-Bernard, qui appartenait aux moines de cet hospice situé sur les flancs du col éponyme, poursuit François-Xavier Chaix. Il aurait sauvé, au début du XIX^e siècle, 40 voyageurs perdus dans la montagne, et la légende raconte qu’il aurait été tué par la 41^e qui l’aurait confondu avec un loup. Ce chien, très célèbre à l’époque, n’est pas enterré ici ; il a été naturalisé et est exposé aujourd’hui au musée d’histoire naturelle de Berne. »

Dans les allées, plusieurs « personnalités » sont enterrées. La plus connue sans doute est le chien acteur Rintintin, qui fit carrière à Hollywood ! « C’est un chiot qui a été trouvé dans une tranchée par un soldat américain, qui l’a baptisé ainsi en référence à une petite poupée appelée Rintintin qui était alors vendue à l’arrière du front pour soutenir les Poilus, raconte l’archiviste. À la fin du conflit, ce sammy a ramené avec lui l’animal, qui tournera dans 32 films aux États-Unis entre 1922 et 1932. » À sa mort, le corps du chien sera rapatrié en France et enterré ici.

D’autres chiens-acteurs ont également leur sépulture dans ce cimetière, comme Poilu, qui a joué dans le film Mon curé chez les riches en 1952. On trouve également plusieurs chevaux de course, comme Troytown, un crack anglais vainqueur du Steeple-chase de Paris en 1919 et mort sur le champ de courses d’Auteuil l’année suivante.

Animaux connus et anonymes, venus de France et d’ailleurs

Chiens de tranchées, chiens policiers… On trouve également bon nombre de bêtes ayant appartenu à des têtes couronnées ou des artistes. Ainsi la princesse Hélène de Roumanie a son chat enterré là, tout comme les animaux de compagnie du compositeur Camille Saint-Saëns, de l’acteur Sacha Guitry ou plus récemment de l’écrivain Michel Houellebecq.

Certaines de ces bêtes viennent également de l’étranger, comme le caniche Tipsy, qui défraya la chronique en 2012. Sa propriétaire, une riche américaine, descendante du fondateur des brasseries Budweiser, avait fait enterrer son chien avec un collier de diamants. La tombe fut profanée pour voler le bijou !

Mais à côté de ces « célébrités », la majorité des chiens, chats, chevaux, mais aussi cochons d’inde, poules, singes, veaux, lapins, tortues ou encore fennecs reposent, anonymes, dans le cimetière. Depuis l’ouverture, plusieurs dizaines de milliers d’animaux ont été enterrés ici. « La 40 000^e bête à avoir été inhumée dans la nécropole est un chien errant, raconte François-Xavier Chaix. Il est venu mourir devant les portes du cimetière le 15 août 1958. La direction décida à l’époque de lui offrir une sépulture. Elle est toujours visible aujourd’hui. » Car à côté des tombes les plus anciennes, qui représentent un intérêt patrimonial, les concessions tournent, comme dans tout cimetière. Pour enterrer son fidèle compagnon, cela coûte entre 148 et 297 € par an, en fonction de la taille de l’animal.

Un lieu touristique

Depuis le début des années 1990, le cimetière a un statut municipal et est géré par la mairie d’Asnières. « En 1986, la société anonyme propriétaire du lieu était en difficulté », rappelle l’archiviste. Il a été question de fermer le cimetière des chiens, mais face à l’émoi suscité par la nouvelle, la municipalité a décidé de le racheter. Entre-temps, il a été inscrit à l’inventaire des monuments historiques pour son « intérêt à la fois pittoresque, artistique, historique et légendaire ».

Au-delà des 869 concessionnaires référencés, le lieu est ouvert au public, moyennant un prix d’entrée de 3,50 €. Le cimetière des chiens attire chaque année près de 4 000 visiteurs, et on vient parfois de loin pour découvrir cet endroit atypique. Beaucoup de Japonais, mais aussi des Américains, comme le prouvent ce jour-là deux touristes venues de Caroline du Nord : elles ont suivi les recommandations d’un blog d’outre-Atlantique proposant de visiter Paris hors des sentiers battus. La Ville d’Asnières organise également des visites commentées, la dernière s’est déroulée lors des dernières Journées du patrimoine.

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QUI ÉTAIT LE PÈRE LACHAISE?

Dernière demeure de Balzac, Chopin, Edith Piaf ou encore Jim Morrison, le cimetière du Père Lachaise est un véritable lieu d'histoire. Mais celui qui a donné son nom au plus grand cimetière parisien est aujourd'hui moins connu que ses célèbres hôtes. Le père Lachaise, ou plus précisément François d'Aix de la Chaize était pourtant un personnage éminent: le confesseur du roi Louis XIV.

Portrait de François d'Aix de La Chaise dit père Lachaise. © BNF Gallica

Le prêtre résidait à l'endroit même où se trouve le cimetière aujourd'hui. D'abord connu sous le nom de la Folie-Régnaut puis de Mont-Louis, le domaine n'a rien à voir à l'époque avec une nécropole. A la place se trouve la maison d'un riche commerçant, qui sera ensuite rachetée par les Jésuites au début du 17e siècle. C'est à cet endroit que s'installe le confesseur du roi.

Une notoriété qui reste dans le quartier

Sa notoriété marque le quartier, la propriété des Jésuites est connue sous le nom de Maison du Père Lachaise. Ce n'est qu'au 19e siècle que la parcelle devient un cimetière alors que les autorités cherchent des terrains pour installer des cimetières.

Les 43 hectares acquis deviennent en 1804 le cimetière de l'Est. Mais l'appellation ne perdurera pas et le public continue d'identifier le lieu au nom du confesseur de Louis XIV. Ironie de l'histoire, François de La Chaize n'est même pas inhumé dans le cimetière parisien mais dans l'église Saint-Paul Saint-Louis, située dans le Marais. Le père La chaize ne réside pas au palais de Versailles, mais à la maison professe près de l'église Saint-Paul à Paris, conformément à la règle des Jésuites ayant une fonction officielle. Il est inhumé dans la crypte de cette église.

"Arman"-Peintre-sculpteur

"Balzac"

"Alain Baschung"

"Colette"

"Marie Trintignant-Sophie Daumier"

"Molière"

"Oscar Wilde"

"??"

"Edith Piaf"

"Marcel Marceau"

 

 

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"Rêve dans les ruines de Pompéi-Paul-Alfred de Curzon (1866)

La nuée ardente du Vésuve aurait tué les habitant  de Pompéi en moins de 20 minutes

C'était en l'an 79. Après huit siècles de sommeil, le Vésuve entrait violemment en éruption et projetait un nuage de cendres et de gaz brûlants dans les airs. Les alentours du volcan n'y résistèrent pas. Les heures suivantes, ce sont des milliers d'habitants qui furent tués, des paysages dévastés et des villes dont Pompéi et Herculanum rayées de la carte.

Cette catastrophe demeure à ce jour l'une des plus dramatiquement célèbres de l'Histoire. Mais que s'est-il exactement passé ce jour-là ? Et comment les habitants sont-ils réellement morts ? C'est ce que tentent encore de déterminer les scientifiques et archéologues près de deux millénaires après l'éruption volcanique.

De précédentes recherches ont estimé que le nuage du Vésuve s'était élevé jusqu'à une trentaine de kilomètres et avait déversé quelque quatre kilomètres cubes de pierres ponces et de cendres sur ses alentours. Aujourd'hui, une nouvelle étude publiée dans la revue Scientific Reports vient compléter le tableau.

Selon ces travaux menés par une équipe italienne et britannique, la nuée ardente du volcan italien aurait persisté entre 10 et 20 minutes à Pompéi. Soit suffisamment longtemps pour que la majorité des habitants meurent asphyxiés par les gaz et la pluie de cendres avant d'être atteints par les autres éléments relâchés par l'éruption du Vésuve.

Une coulée moins brûlante et intense ?

Les coulées pyroclastiques sont le phénomène le plus dévastateur des éruptions dites explosives. Comparables à des avalanches, elles sont formées d'un flux dense de particules de température élevée qui dévale à très grande vitesse les flancs du volcan. Selon les recherches, l'éruption de 79 aurait connu deux phases et libéré plusieurs coulées

A Herculanum, qui était situé au pied du Vésuve, les observations ont suggéré que la température et la puissante du phénomène étaient tellement élevées que toute survie était impossible. A Pompéi localisée un peu plus loin, en revanche, les indices laissaient penser que la coulée était peut-être moins brûlante et intense.

Or, sous de telles conditions, une survie pourrait éventuellement être possible si la coulée n'avait persisté que pendant quelques minutes. C'est pour en avoir le coeur net que les scientifiques ont démarré une nouvelle étude en combinant des données collectées sur le site archéologique et les résultats de précédentes recherches.

Ceci leur a permis de concevoir un modèle mathématique pour réaliser des simulations numériques et estimer les paramètres physiques des coulées pyroclastiques. Verdict : les habitants de Pompéi n'avaient finalement que très peu de chances d'échapper aux phénomènes dévastateurs.

17 minutes en enfer

Selon les résultats, le mélange de gaz et de cendres présentait une température avoisinant les 115°C et une pression dynamique légèrement supérieure ou inférieure à 1.000 pascals (Pa). C'est bien moins que les valeurs estimées à Herculanum. Mais à Pompéi, la coulée aurait largement perduré.

 

Les calculs indiquent qu'elle aurait englouti la ville durant 17 minutes en moyenne. Combinée à la concentration en particules, cette durée semble largement suffisante pour provoquer des effets mortels sur les habitants. En clair, l'asphyxie liée à l'inhalation des cendres seraient la principale cause de décès chez ces derniers.

"Il est probable que des dizaines de personnes sont mortes en raison de la pluie de lapili (les éjectats volcaniques, ndlr) qui est tombée sur Pompéi après l'éruption, mais la plupart sont mortes d'asphyxie", a résumé Roberto Isaia, chercheur à l'Observatoire du Vésuve de l'Institut national de géophysique et de volcanologie (INGV) repris par The Guardian.

"Ces 15 minutes au sein d'un nuage infernal ont dû être interminables. Les habitants ne pouvaient pas imaginer ce qui était en train de se produire. Les Pompéiens ont vécu avec les séismes mais pas avec les éruptions, donc ils ont été pris par surprise et balayés par le nuage incandescent de cendres", a poursuivi le co-auteur de l'étude.

Si cette nouvelle étude précise le scénario de l'éruption, ce dernier comporte encore de nombreuses zones d'ombre, que les archéologues tentent de combler en poursuivant les fouilles sur le terrain. Et près de deux millénaires après, les découvertes se poursuivent au milieu des ruines de la cité disparue.

Comprendre pour mieux prévoir

Néanmoins, ces travaux résonnent aussi dans le présent alors que le Vésuve, de même que de nombreux volcans, demeurent sous étroite surveillance à travers le monde. "Le modèle développé peut être appliqué à d'autres volcans actifs", a confirmé dans un communiqué Roberto Isaia.

"Il est très important d'être capable de reconstruire ce qui s'est produit durant les éruptions passées du Vésuve, à partir des données géologiques, afin de retracer les caractéristiques des coulées pyroclastiques et leur impact sur la population", a renchéri le professeur Pierfrancesco Dellino de l'université de Bari en Italie et premier auteur de l'étude.

"L'approche scientifique de cette étude révèle des informations contenues dans les dépôts pyroclastiques qui clarifie de nouveaux aspects sur l'éruption de Pompéi et fournit des aperçus précieux pour interpréter le comportement du Vésuve, également en termes de protection civile", a-t-il ajouté.

Le volcan napolitain s'est réveillé à plusieurs reprises au XXe siècle. Sa dernière éruption remonte à il y a plus de 75 ans, en 1944. Mais s'il en connaissait une nouvelle, les conséquences pourraient être considérables. Actuellement, quelque 700.000 personnes vivent sur les flancs du Vésuve et quatre millions dans la région environnante. 

 

 

 

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Milo Moiré :

L'artiste polémique arrêtée nue à Trocadéro...

Dimanche 5 juillet 2015, l’artiste suisse Milo Moiré a été arrêtée à Paris. Son tort ? Avoir pris des selfies, complètement nue avec les touristes sur le Trocadéro. Connue pour ses performances dénudées, elle fait polémique.

Pourquoi s’habiller quand on peut se contenter d’être nu ? La question ne se pose pas pour Milo Moiré, une artiste suisse de 32 ans. En effet, la jeune femme est célèbre pour ses performances décalées, qu’elle réalise... nue. C’est d’ailleurs ce qui lui a coûté une nuit au poste de police. Elle a été arrêtée dimanche 5 juillet vers 17 heures. La jeune femme prenait la pose avec des touristes place du Trocadéro à Paris, en tenue d’Eve, pour un projet appelé "NACKT SELFIES". En France, il est interdit de se montrer nu sur la voie publique, sous peine de sanctions qui peuvent s’avérer très lourdes. Selon la loi, se balader nu en public est synonyme d’exhibitionnisme, et, d’après l’article 222-32 du code pénal, ce délit peut être sanctionné d’un an d’emprisonnement et de 15 000 euros d’amende. Hier soir, elle a publié une photo d'un de ses "selfies nus" sur Instagram, avec une citation en commentaire : "ils peuvent prendre mon corps, mais mon esprit reste libre. La liberté est la meilleure chose de notre société."

Finalement, la Suissesse a eu de la chance, puisqu’elle a été libérée avec un simple avertissement du juge. Mais Milo Moiré va-t-elle s’arrêter là ? Peu de chance puisque la nudité est la ligne directrice de tous ses projets artistiques. Celui qui l’a rendue célèbre est des plus loufoques : la jeune femme se mettait des œufs remplis de peintures dans le vagin. Elle se mettait ensuite au-dessus d’une toile blanche, et faisait tomber les œufs avec son appareil génital, qui cassaient, formant des tâches de couleurs.

Mais ce n’est pas la première fois que la brune au corps parfaitement dessiné s’exhibe. En 2013, elle a réalisé une performance vidéo où elle se balade nue dans le tramway de Dusseldorf, en Allemagne. Sur les différentes parties de son corps étaient peints en noir le nom des vêtements qui auraient dû être portés à ces endroits. Dans une interview accordée au Figaro, l’année dernière, Milo Moiré expliquait que la nudité était pour elle quelque chose de puissant : "Je vois le corps nu avec neutralité, comme une toile blanche et la possibilité de se rapprocher de soi. L’occasion de se sentir vulnérable et de découvrir sa force (…). Depuis le début, je suis nue parce que les images naissent dans mon esprit et seul mon corps sait les traduire". Art ou exhibition ? En tout cas, l’artiste a distrait avec plaisir les touristes qui se trouvaient place du Trocadéro ce week-end. l'internaute

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Les Vierges noires : aux origines d'un mythe.

Ces statues de Vierge à l’Enfant fascinent par leur couleur. Pendant longtemps, on a cru voir, à travers elles, les survivances de déesses-mères celtiques ou égyptiennes. Cette origine est remise en cause.

Combien sont-elles ? Au moins 300 en France, parmi lesquelles celles de Rocamadour et du Puy-en-Velay. Mais il y en a aussi ailleurs en Europe et jusqu’en Amérique latine.

Selon les temps liturgiques, la Vierge noire du Puy est revêtue d’habits différents offerts par des donateurs. Cette statue a donc une garde-robe.

Les explications traditionnelles sur les Vierges noires :

Ma première rencontre avec une Vierge noire remonte à juin 2021. Je découvre l’une des plus célèbres, celle de la cathédrale du Puy-en-Velay. Moi qui pensais ces statues anciennes, j’apprends que celle-ci ne remonte qu’au XVIIe siècle. Elle remplace cependant une Vierge romane, que les révolutionnaires brûlèrent en 1794 dans un grand feu de joie. Les quelque 300 Vierges noires qui subsistent en France sont en fait des miraculés. Beaucoup ont disparu lors de la Révolution ou lors des guerres de Religion. Je me promets donc d’être plus attentif lors de mes prochaines visites.

Un an plus tard, je repère une nouvelle Vierge noire dans la basilique Notre-Dame de Douvres-la-Délivrande (Calvados). Là encore, la statue ne me paraît pas vieille. Quelques explications lui donnent un vernis d’ancienneté. On pense que cette statue est l’héritage d’un culte antique à une déesse-mère de Haute-Égypte. Des légionnaires venus d’Afrique ont ensuite importé ce culte en Gaule.

Vierge noire de Douvres-la-Délivrande (Calvados), XVIe siècle.

Me revient alors en mémoire cette statue fascinante, la déesse Isis allaitant Horus. Comment ne pas être intrigué par sa ressemblance avec nos Vierges à l’Enfant ?

Isis allaitant Horus, VIIe siècle avant J.-C. Walters Art Museum à Baltimore (Etats-Unis)

Les livres que je lis confirment cette double ascendance : les Vierges noires répliqueraient les anciennes déesses-mères des Celtes ou les déités égyptiennes. Selon l’archéologue Marie Durand-Lefebvre, on retrouve à travers ces Vierges noires la survivance d’idoles païennes glorifiant la Terre, noire et féconde. Encore une preuve de la continuité entre paganisme et christianisme.

Depuis longtemps, je me méfie cependant des arguments en faveur de cette continuité. Dans un précédent article, j’avais par exemple démontré que les églises ne succédaient pas systématiquement à des temples païens, comme on le répète un peu trop souvent. Les auteurs sur les Vierges noires nous abuseraient-ils aussi ?

Mes doutes sur les hypothèses celtique et égyptienne :

Quelques indices sèment en effet le doute. Déjà les premières statues de Vierges à l’Enfant (et donc a priori les premières Vierges noires chrétiennes) apparaissent assez tard, au Xe siècle. Les plus récentes déesses mères retrouvées par les archéologues remontent au IIIe siècle. Autrement dit, il y a un gros vide documentaire (700 ans !) entre les déesses païennes et les Vierges à l’enfant. La filiation n’est pas donc si évidente. On pourra cependant répliquer que l’Église s’est acharnée à détruire les idoles. D’où leur absence.

Cependant, avant le XVe siècle, aucun texte, aucune enluminure ne nous signale l’existence de Vierges chrétiennes sombres. Comme si elles n’existent pas encore.

Une déesse-mère gallo-romaine, allaitant deux enfants (Ier-IIIe siècle après J.-C.). Ce genre de statuettes symbolise moins la maternité que la Terre-mère et la fécondité. Musée Saint-Raymond à Toulouse © Claudine Jacquet CC BY-SA

Auteur d’un livre sur les Vierges noires, l’historienne Sophie Cassagne-Brouquet ajoute un nouvel argument qui trouble nos certitudes sur une origine celtique. En France, les Vierges noires se concentrent en Auvergne et en Roussillon. Deux régions particulièrement touchées par la romanisation. Rappelons notamment l’appartenance du Roussillon à Rome depuis les années 120 avant J.-C. soit bien avant la conquête de César. Les découvertes archéologiques prouvent aussi l’importance de la culture romaine en Auvergne par rapport aux régions au nord de la Loire. Autrement dit, on trouve beaucoup de Vierges noires dans des régions romanisées. Alors qu’en Bretagne, région traditionnellement associée aux Celtes, elles sont presque inexistantes.

Autant d’arguments qui font réfléchir.

Les remises en cause des années 1930-1950 :

En 1933, l’historien Louis Bréhier étudie une Vierge noire d’Auvergne : datée du XIIe siècle, elle appartient alors à un collectionneur privé qui la fait restaurer. Son nettoyage révèle que derrière la couleur noire des visages se cachent des tons naturels. La Vierge et son enfant affichent de belles joues roses !

Les découvertes de ce genre se multiplient. À Orcival, on vénérait une Vierge noire. Mais en 1959, le restaurateur se rend compte que sous une couche noire, la Vierge, polychrome, présente une jolie carnation beige-rosé !

Quand j’ai photographié la Vierge noire d’Orcival, cette œuvre romane ne paraissait pas du tout noire effet.

Ces Vierges ont donc été noircies. Dès lors, les spéculations vont bon train. Est-ce à cause de la fumée des cierges ? Est-ce que toutes les Vierges noires étaient en fait polychromées à l’origine ? On se demande si l’assombrissement de certaines statues n’est pas naturel. Le bois a peut-être vieilli. Ou il s’est oxydé (des statues romanes étaient en effet recouvertes de plaques d’argent).

Pour l’historienne Sophie Cassagnes-Brouquet, on s’engage sur de mauvaises pistes. Car la coloration de ces statues n’est pas fortuite. Elle est volontaire. À une époque située entre le Moyen Âge et le XIXe siècle, on a peint en noir ces statues !

Pourquoi peindre en noir ? :

L’application d’une telle couleur surprend. Comme le rappelle l’historien des symboles Michel Pastoureau, le noir est associé à la nuit, à l’enfer et au diable. Tout le contraire des Vierges à l’enfant. Cependant, le médiéviste note, à la fin du Moyen Âge, un noircissement de certains personnages de la Bible dans les peintures et les sculptures : Balthazar, l’un des rois mages, et la reine de Saba, qui rencontra Salomon. Dans la cathédrale de Magdebourg (Allemagne), saint Maurice est représenté noir au XIIIe siècle.

Statue de Balthazar, un des rois mages. Sculpture de la cathédrale de Strasbourg, vers 1502-1503, par Hans von Aachen (Jean d’Aix) en grès rose, aujourd’hui conservée dans le musée de l’Oeuvre-Notre-Dame

N’aurait-on donc pas donné à certains visages une teinte sombre afin de coller à leur origine orientale ? C’est l’hypothèse de l’historien de l’art Xavier Barral I Altet. Certaines Vierges noires sont censées provenir d’Orient. On racontait que des croisés, notamment saint Louis, les avaient ramenées en Occident. La couleur noire leur donnait une origine très ancienne et lointaine. Or, une statue qui paraît venir de Terre sainte ne peut qu’exciter la ferveur des fidèles.

À propos de l’ancienne Vierge noire du Puy, l’historienne Sylvie Vilatte est plus précise. Pour elle, le noircissement intervient au XIVe siècle. Cette transformation correspond au développement d’une légende tardive selon laquelle le prophète juif Jérémie sculpta cette statue à Jérusalem ou en Égypte. Elle préfigurerait la Vierge Marie. Mais ce n’est pas tout. Toujours selon la chercheuse, le noircissement de la statue obéirait à une stratégie de conversion des musulmans. Au XIVe siècle, les chrétiens viennent de perdre les derniers États latins implantés en Terre sainte. À défaut d’une soumission des Infidèles par les armes, l’évêque du Puy compte sur la Vierge noire pour les convertir. Son physique oriental pourrait bien les séduire.

La plus ancienne représentation d’une Vierge noire en Occident. Elle se trouve à l’intérieur d’un livre d’heures, daté de 1470. Elle figure la Vierge du Puy. Donc à cette date, elle était déjà noire. Est-ce dans l’objectif de plaire aux musulmans ? Manuscrit de la Bibliothèque nationale d’Autriche, cod. 1853, fol.35.

Cette hypothèse me paraît tirée par les cheveux, mais elle approfondit une piste à mon avis tout à fait valable : en transformant la Vierge du Puy, l’Église cherche à l’orientaliser et donc à la sanctifier davantage.

La science est en train de confirmer le caractère volontaire du noircissement.

Les scientifiques s’en mêlent :

En 2021, un groupe scientifique composé d’une ingénieure physico-chimiste, d’une sculptrice restauratrice et d’un historien de l’art, analyse la célèbre Vierge de Rocamadour. La datation au radiocarbone fait remonter l’objet à une date comprise entre 1160 et 1270. Il a été plusieurs fois modifié, notamment aux XVIe ou XVIIe siècles par l’application d’une teinte noire 

La Vierge de Rocamadour, en bois, aujourd’hui datée du XIIe ou XIIIe siècle, soit au début du sanctuaire de Rocamadour (Thérèse Gaigé/Wikimedia Commons).

D’une autre étude, encore partielle, il ressort que les statues (autant celles du Christ que de la Vierge) n’étaient pas noires à l’origine. Elles étaient en bois polychrome avant d’être recouverte d’une couche noire (notamment composée de noir d’os et de pigments silicatés verdâtres).

Conclusion sur les Vierges noires :

L’origine païenne des Vierges noires est donc peu assurée. « Beaucoup de Vierges polychromes ont été peintes en noir à une époque indéterminée qui s’échelonne entre la fin du Moyen Âge, où nous trouvons dans les chroniques les premières mentions incontestables de Vierges noires, et la première moitié du XIXe siècle », conclut l’historienne Sophie Cassagnes-Brouquet.

Les raisons de ce noircissement restent incertaines, mais plausibles. Pour Sylvie Villate, la transformation de la Vierge du Puy en Vierge noire au XIVe siècle a lancé une mode à travers le Massif central. Selon l’historien de l’art Térence Le Deschault de Monredon, « il apparaît assez clairement que l’on a voulu créer, à partir d’une vierge romane d’un type très commun en Auvergne et dans le Velay, une statue qui aurait l’apparence d’un objet rare provenant d’une civilisation à la fois riche et lointaine ».

À cette question des Vierges noires, je me garderai d’une conclusion définitive. Des études sont en cours. Éclairer l’histoire de certaines Vierges noires ne vaut pas un verdict général. Chaque objet a son histoire.

La Vierge noire de Notre-Dame de Liesse (XIXe siècle). Comme au Puy-en-Velay, la précédente fut brûlée à la Révolution (Vassil/Wikimedia commons)

Ainsi, dans la basilique Notre-Dame de Liesse (Aisne), la statue aurait été apportée par trois croisés. Prisonniers du sultan d’Égypte, ils auraient été délivrés par sa fille Ismeria, à qui ils montrèrent une statue de la Vierge apparue miraculeusement. La princesse se convertit et fuit en Occident avec les trois croisés. La statue fit bien sûr partie du voyage. Une copie trône aujourd’hui dans l’église de Notre-Dame de Liesse. Vraie histoire ou légende ? De tout temps, l’Orient et son parfum de mystère ont enflammé l’imagination. Ne l’oublions pas.

L'histoire folle du plongeur & le dauphin :

Enzo Maiorca, né le 21 juin 1931 et mort le 13 novembre 2016 dans la même ville, est un plongeur italien. Maiorca a détenu treize records du monde dans la catégorie No Limit entre 1960 et 1974.

Le célèbre plongeur italien Enzo Maïorca plongeait dans la mer chaude de Syracuse, et parlait à sa fille Rossana qui était sur le bateau. Prêt à plonger, il sentit quelque chose le cogner légèrement dans le dos. Se retournant, il vit un dauphin, et réalisa alors qu'il ne désirait pas jouer, mais voulait plutôt lui exprimer quelque chose. L’animal a plongé, et Enzo l'a suivi. À environ 12 mètres de profondeur, coincé dans un filet abandonné, il y avait un autre dauphin. 

Enzo remontant rapidement à la surface, a alors demandé à sa fille de lui donner sans attendre ses couteaux de plongée. En quelques minutes, il parvint à libérer le dauphin qui, à bout de force, réussit à s’émerger en émettant un ′′cri presque humain′′ (ainsi le décrit Enzo Maïorca). 

Un dauphin peut rester en apnée sous l'eau jusqu'à 10 minutes, après il se noie. Le dauphin libéré mais étourdi, était sous l’attention d’Enzo, de Rossana et de l'autre dauphin, quand une surprise arriva. C'était une femelle qui devait bientôt mettre bas. Le mâle s'est arrêté devant Enzo, a touché sa joue (comme pour un baiser), puis se sont éloignés. 

Enzo Maïorca dit alors : ′′Jusqu'à ce que l'homme apprenne à respecter et à dialoguer avec le monde animal, il ne pourra jamais connaître son véritable rôle sur cette terre."

Le plongeur Enzo Maiorca, qui a inspiré "Le Grand Bleu", est mort à l'âge de 85 ans.

Sa rivalité avec le Français Jacques Mayol avait été adaptée pour le grand écran par le réalisateur Luc Besson.

Le plongeur Enzo Maiorca en 1989. (LEEMAGE / AFP)

Enzo Maiorca est mort à l'âge de 85 ans en Sicile, annoncent les médias italiens, dimanche 13 novembre. "A l'aube, aujourd'hui, dans l'une de ces journées ensoleillées où la mer du grand port de Syracuse paraît immobile, un grand concitoyen nous a quittés", a commenté le maire Giancarlo Garozzo, cité par le Corriere della sera (en italien). Les funérailles devraient avoir lieu mardi.

Premier homme à plonger en apnée à 50 mètres de profondeur, dans les années 1960, cet apnéiste n'a cessé de repousser les limites de la plongée no-limit jusqu'en 1976, année où il abandonne la discipline pendant dix ans. En 1988, il établit son dernier record, à 101 mètres de profondeur. Les performances hors norme du Sicilien ont intéressé les médecins français et italiens pendant plus de 30 ans.

Le plongeur Enzo Maiorca lors de son record mondial d'immersion en apnée à 58 mètres de profondeur, en 1973. (LEEMAGE / AFP)

Engagé dans la défense de l'environnement marin.

Cette année-là, Enzo Maiorca est devenu célèbre auprès du grand public, avec la sortie du film Le Grand Bleu, en 1988. Ce long-métrage de Luc Besson évoque la rivalité entre l'Italien et le Français Jacques Mayol. Incarné à l'écran par l'acteur français Jean Reno, Enzo Maiorca avait cependant estimé que l'image donnée de lui était caricaturale et avait obtenu l'interdiction du film en Italie. Un nouveau montage, plus court, lui avait été proposé et le long-métrage avait pu sortir sur les écrans italiens en 2002.

Après sa carrière de plongeur, Enzo Maiorca s'est consacré à la défense de l'environnement marin et a écrit plusieurs ouvrages, dont La Mer avec un M majuscule. Il s'était aussi engagé en politique devenant sénateur, entre 1994 et 1996, dans les rangs de l'Alliance Nationale (post-fasciste).

Végétarien convaincu, Enzo Maiorca a souvent expliqué (en italien) pourquoi il avait abandonné la viande, lors d'une pêche au harpon, en 1967. "Le mérou était coincé entre deux parois dans une cavité. En cherchant à comprendre sa position, j'ai passé la main droite sur son ventre. Son cœur battait, il était terrorisé, fou de peur. Avec ce pouls, j'ai compris que je tuais un être vivant.

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Brugge 1900 "dentellière au Béguinage"

Petite histoire du Béguinage de Bruges

L’histoire du Béguinage de Bruges, dit le « béguinage de la vigne » (« De Wijngaard » en flamand) commence en 1225. Un groupe de béguines s’installent juste en dehors de la ville, au bord d’un cours d’eau. Pour vivre, elles travaillent la laine pour le compte de tisserands brugeois : Vingt ans plus tard, en 1245, Marguerite de Constantinople, comtesse de Flandres, apporte soutien et protection au béguinage, qui devient une paroisse indépendante : Au cours des siècles suivants, le béguinage s’agrandit, s’enrichit et finit par être intégré à la ville de Bruges, qui s’étend elle aussi. L’origine des béguines évolue également : d’abord ouvert aux plus démunies, le béguinage ne sélectionne plus ses nouvelles recrues que dans les rangs de l’aristocratie : La Révolution française porte un coup fatal au béguinage : bien qu’il soit rouvert au début du XIXème siècle, il ne retrouvera jamais son prestige d’antan. Le déclin est inévitable et la dernière béguine de Bruges disparaît en 1930. Depuis les années 1920, le béguinage est occupé par une communauté de religieuses bénédictines....En 2002, le Béguinage de Bruges est inscrit au Patrimoine mondial de l’UNESCO.

A la découverte de la maison sculptée de Jacques Lucas

L’artiste devant son œuvre monumentale commencé en 1968

Une demeure à l’architecture singulière

Aucun panneau ne signale sa présence. Pour la découvrir au départ de Rennes, il faut arpenter la campagne bretonne en direction de Janzé puis, une fois passée la commune d’Amanlis, s’aventurer dans une voie sans issue. Au bord du chemin, une sculpture monumentale se dresse alors face aux visiteurs. Nous voilà arrivés à la maison sculptée, lieu de vie et véritable œuvre d’art du peintre et sculpteur Jacques Lucas.

Un artiste au parcours atypique

Depuis près de quarante ans, cette demeure à l’architecture singulière accueille chaque année un millier de curieux. L’artiste y résidant encore, certains hésitent tout de même à franchir le pas de peur de déranger. « Mais vous pouvez entrer, vous êtes les bienvenus ! », leur lance-t-il. Pas question en revanche de leur faire une visite guidée des lieux. « C’est en accès libre, indique-t-il. Je réponds parfois à des questions mais je ne veux pas non plus être emmerdé à longueur de temps. »

Un projet né d’un accident

Car bientôt octogénaire, l’artiste aspire désormais à la tranquillité dans cette ancienne demeure en ruines qu’il a rachetée en 1968 avant de la restaurer avec sa femme. Jacques Lucas travaillait alors au ministère de la Culture où il était chargé de recenser les monuments historiques en Bretagne. Il démissionnera sept ans plus tard pour lancer plusieurs entreprises. Mais au début des années 1980, un grave accident de la route est venu chambouler ses plans. « J’étais arrêté donc j’avais du temps et j’ai commencé la sculpture sur béton », raconte-t-il.

Une oeuvre réalisée avec passion

Pendant près de cinq ans, ce natif de Poitiers, où il a exposé pour la première fois en 1963, s’est alors lancé à corps perdu dans son projet un peu fou, ornant les murs et le jardin de sa maison de sculptures et de gravures. « Je suis autodidacte et j’ai fait ça au jour le jour sans véritable plan, indique Jacques Lucas. Je mettais le ciment que je mélangeais avec de la chaux aérienne le matin et je terminais ma sculpture le soir pour qu’elle soit robuste. »

Un héritage artistique

Une forme de « land art » dans lequel s’entremêlent des visages humains et des têtes d’animaux ainsi que des fleurs et des oiseaux. La mousse et le lierre ont depuis recouvert ces sculptures, donnant à cet ensemble labyrinthique un côté encore plus poétique. « J’aurais aimé poursuivre mais ma santé ne me le permet plus », regrette l’artiste, qui a quitté en 1993 sa maison sculptée pour ouvrir un atelier de peinture à Nice avant d’y revenir en 2019. « Et c’est ici que je finirai mes jours », assure Jacques Lucas, qui continue de peindre chaque jour. « Je dois avoir pas loin de 4.000 toiles ici », indique-t-il fièrement.

Un avenir incertain

À sa mort, il léguera son incroyable maison à la mairie d’Amanlis « qui décidera de l’orientation à donner. » « J’aimerais bien quand même que ça devienne une résidence d’artistes », suggère-t-il. Le lieu est en tout cas propice à l’inspiration.

La Maison sculptée, un sanctuaire de pierre et de sève

Nichée en Ille-et-Vilaine, à une trentaine de kilomètres de Rennes, la Maison sculptée se trouve à L’Essart, un lieu-dit d’Amanlis, à mi-chemin entre les Jardins Rocambole et la Roche aux fées.

La Maison est nichée au détour d’un chemin, entourée de champs, cachée par la verdure. Le silence n’est troublé que par un chien voisin qui aboit…

Et puis, soudain, on se trouve nez-à-nez avec les premières créatures de pierre, mi-sirènes, mi-totems, dont les visages tour à tour hypnotiques et narquois se cachent parmi les motifs et les volutes.

 

 

"Tableau du Samedi"